Filmes: "A Invenção de Hugo Cabret"

BELÍSSIMA CHATICE

Não dá pra endeusar um filme só porque ele homenageia o cinema, principalmente um tão sem graça.

- por André Lux, crítico-spam

É impressionante como um filme fraco e tedioso como "A Inveção de Hugo Cabret" receba tantos louvores da crítica e da academia de cinema estadunidense, ao ponto de ser o recordista de indicações para o Oscar de 2011. Tudo bem, eu concordo que o filme é muito bonito e bem feito, tem uma fotografia exuberante, um desenho de produção primoroso e uma música excelente de Howard Shore. Mas é só. O filme pode ser resumido em duas palavras: belíssima chatice!

A grande sacada do diretor Martin Scorsese, porém, foi ter feito um filme que é na verdade uma homenagem nada sutil ao próprio cinema, representado aqui na figura de Georges Meliès, que morreu na miséria depois de ter sido o primeiro grande cineasta ("Da Terra à Lua" foi um dos únicos trabalhos dele que conseguiram ser preservados). Críticos e pessoas ligadas ao cinema simplesmente adoram uma boa autoindulgência quando o assunto é a sétima arte. Nada contra, porém não dá pra endeusar um filme só porque ele homenageia o cinema, principalmente um tão sem graça.

Para piorar tudo, fica claro que Scorsese, um cineasta acostumado a fazer filmes violentos sobre gangsters e criminosos em geral (como "Os Bons Companheiros" e "Os Infiltrados"), não tem a menor noção de como construir uma narrativa alegre e voltada ao público infantil. Assim, "A Invenção de Hugo Cabret" torna-se um filme chato, arrastado, sem conflitos e incapaz de passar qualquer emoção. Suas mais de duas horas de duração saltam aos olhos e o filme parece interminável (como a maioria dos filmes do cineasta).

O roteiro, baseado em livro de Brian Selznick, é incapaz de construir qualquer surpresa ou reviravolta e é claramente dividido em dois atos que nada tem entre si. No primeiro acompanhamos o órfão Hugo Cabret tentando consertar um automato que herdou de seu falecido pai, enquanto faz a manutenção dos relógios de uma estação de trem e foge do inspetor de polícia local. De repente, tudo muda de figura quando ele descobre o segredo do robô e daí o filme vira uma modorrenta "homenagem ao cinema". Por sinal, nem o título da obra faz qualquer sentido, já que o protagonista não inventa coisa alguma!

Quem teve a brilhante ideia de escalar o Borat?

Scoresese estava tão fora de seu métier que nos apresenta uma péssima direção de atores, onde nem mesmo o grande Ben Kingsley consegue se salvar. Fiquei com pena da menina Chloe Grace Moretz, que esteve tão bem em "Deixe-me Entrar", mas aqui passa o filme todo dando o mesmo sorrisinho amarelo para a câmera. E o que dizer então da opção dele em escalar o abominável Sacha Baron Cohen, o "Borat" em pessoa, para o papel chave do inspetor de polícia? Sua "atuação" é de longe uma das coisas mais constrangedoras e caricatas que eu vi nos últimos tempos!

O fato de ter todo sido rodado com o que há de mais avançado na tecnologia 3D não acrescenta nada, exceto se você conseguir se impressionar com aquelas cenas manjadas de longos travellings da câmera e de objetos sendo jogados em direção à tela. Eu, por sinal, já deixo claro que não gosto nem um pouco de ver filmes em 3D, pois esse recurso em nada se assemelha ao que vemos no mundo real e deixa os filmes totalmente artificiais e sem qualquer profundidade de campo.

"A Inveção de Hugo Cabret" é um filme que talvez nas mãos de um Spielberg, na época em que ainda era inspirado, poderia se tornar algo interessante. Mas, feito sob a mão pesada do superestimado Scorsese acaba sendo algo penoso de se assistir.

Cotação: * *

Filmes: "Diário de Um Jornalista Bêbado"

O PAI DO GONZO

Filme é baseado no primeiro livro de Hunter S. Thompson, autor do famoso "Medo e Delírio em Las Vegas: Uma Jornada Selvagem ao Coração do Sonho Americano"

- por André Lux, crítico-spam

"Diário de Um Jornalista Bêbado" é baseado no primeiro livro de Hunter S. Thompson, autor do famoso "Medo e Delírio em Las Vegas: Uma Jornada Selvagem ao Coração do Sonho Americano". O filme é um projeto pessoal do ator Jonhy Depp que era amigo de Thompson e atuou também na versão para os cinemas de "Medo e Delírio", do Terry Gilliam (que mesmo não resistindo a uma análise mais profunda é um dos filmes mais alucinantes e engraçados do ex-Monty Python).

Hunter S. Thompson é um jornalista que sem querer inventou o chamado "jornalismo gonzo", que é definido pelo Wikipédia como "um estilo de narrativa em jornalismo, cinematografia ou qualquer outra produção de mídia em que o narrador abandona qualquer pretensão de objetividade e se mistura profundamente com a ação". Besteira. "Jornalismo Gonzo" é o resultado do trabalho de alguém que cobriu um evento completamente bêbado e/ou drogado e aí coloca no papel suas lembranças e experiências obtidas enquanto sob efeito das drogas. Thompson, um notório alcoólatra e drogado, foi um grande crítico do chamado "sonho americano" e tirou a própria vida com um tiro de espingarda aos 68 anos de idade.

"Diário de Um Jornalista Bêbado" conta a história de um jornalista chamado Paul Kemp (alter-ego do próprio Thompson numa atuação muito boa e contida de Depp) que vai trabalhar em um pequeno jornal em Porto Rico e logo faz amizade com outro repórter igualmente alcoólatra e viciado em rinha de galo. A primeira parte do filme é uma longa sucessão de divertidas cenas de personagens alcoolizados fazendo loucuras.

Numa dessas, Kemp esbarra no novo rico Hal Sanderson (Aaron Eckhart, excelente) que quer contratar o jornalista bebum para que ele escreva matérias positivas sobre uma jogada de especulação imobiliária que vai trazer grande fortuna para os envolvidos e desgraça para os porto-riquenhos. As coisas se complicam ainda mais quando Kemp fica deslumbrado com a namorada de Sanderson, Chenault (na pele da lindíssima Amber Heard).

Esse primeiro ato é o que o filme tem de melhor, alternando cenas engraçadas com outras de crise moral que passa a sofrer o protagonista, arrastado para dentro de um esquema corrupto sem querer. É uma pena que na segunda parte a história perca a vibração e o interesse. Nem mesmo o conflito moral de Kemp é resolvido de forma minimamente satisfatória e o filme se resuma em tolas perseguições pelas estradas de terra de Porto Rico. O romance entre o protagonista e a bela Chenault não gera nenhum tipo de conflito e também é resolvido bestamente. Outra coisa que estraga o filme é a presença do péssimo Giovanni Ribisi, aqui interpretando um jornalista ainda mais louco e drogado (que ainda por cima adora ouvir discursos gravados de Hitler!), o qual poderia ter se tornado antológico caso fosse representado por um ator de verdade.

O fato é que o livro original (que só foi publicado após a morte de Thompson) não era mesmo grande coisa e traz apenas algumas pinceladas bem básicas do que viria a ser o estilo "gonzo" e as críticas ácidas do autor ao "sonho americano". Enfim, vale uma espiada, mas não espere muito.

Cotação: * * 1/2

Filmes: "Um Método Perigoso"

AMORFO

Apesar do tema interessante, filme resulta no trabalho mais frio e distanciado de Cronenberg até hoje

- por André Lux, crítico-spam

O diretor David Cronenberg é conhecido por seus filmes chocantes ou, no mínimo, contundentes. Muitos deles de terror explícito repletos de efeitos especiais (o mais notável sendo “A Mosca”).

É verdade que em seus últimos filmes demonstrou uma maturidade surpreendente, fugindo do gênero que o consagrou, nos fortes suspenses policiais “Marcas da Violência” e “Senhores do Crime”.

Mesmo assim, é difícil entender porque resolveu realizar este “Um Método Perigoso”, que resultou em seu trabalho mais frio e distanciado até hoje.

O maior defeito do filme é que ele simplesmente não tem foco narrativo definido. Não decide se está contando a história da amizade entre os pais da psicanálise Jung e Freud (que depois se tornariam inimigos) ou da paciente Sabina Spielrein, a qual sofria de histeria e, depois de tratada por Jung, tornou-se ela também uma importante psicanalista.

O roteiro do badalado Christopher Hampton, baseado em sua própria peça teatral que por sua vez é inspirada em fatos reais, é muito picotado, pulando de um evento para outro sem muita coerência. Isso deixa o filme episódico e mal amarrado, impedindo o envolvimento na história e deixando até as conversas entre Jung e Freud enfadonhas.

Outros pontos negativos do filme são as interpretações de Keira Knightley (principalmente no começo, quando faz umas caretas constrangedoras) e de Viggo Mortensen como Freud, numa atuação posada e artificial. Tudo isso acaba destruindo qualquer boa intenção do projeto, que tem excelentes recriação de época, fotografia e música (de Howard Shore, colaborador constante de Cronenberg), além das boas atuações de Michael Fassbender como Jung e de Vincent Cassel como Otto Gross.

É uma pena que um assunto tão interessante tenha resultado num filme tão amorfo e indiferente.

Cotação: * *

Filmes: "A Pele Que Habito"

REPULSIVO

Este filme ainda faz um grande mal para a luta dos homossexuais contra o preconceito. Recomendado para sádicos ou masoquistas

- por André Lux, crítico-spam

* ATENÇÃO: Essa crítica contém spoilers! *

O diretor Pedro Almodóvar fez alguns filmes muito bons (meu preferido ainda é "Carne Trêmula"), mas também fez algumas porcarias indefensáveis (como "Má Educação"). Esse "A Pele Que Habito" é de longe o seu pior trabalho.

Apesar de ser supostamente baseado na obra "Tarantula", do francês Thierry Jonquet, o filme está mais para uma releitura de "Frankenstein", com o coitado do Antonio Banderas fazendo o papel de um cirurgião plástico que quer fazer renascer os mortos. Só que aqui ele quer transformar alguém vivo num sósia da sua mulher que morreu.

Para isso, ele rapta um rapaz que, bêbado e drogado, tentou transar com sua filha sem sucesso, deixando-a ainda mais traumatizada a ponto dela se suicidar (justo quando ela estava tentando se recuperar do suicídio da mãe). Ou seja, para vingar a morte da filha, o personagem de Bandeiras transforma o pobre rapaz em um transsexual que se parece com a ex-mulher! Essa história não só é ridícula, como extremamente repulsiva (quando queria ser apenas perturbadora). Assistir a esse filme é um exercício penoso.

Aqui os recalques de Almodóvar contra os homens ditos heterossexuais nunca estiveram tão explícitos. No filme todos são loucos, drogados e estupradores (não necessariamente nesta ordem), o que só comprova que o cineasta, que é homossexual assumido, deve ter uma raiva enorme deles e usa seus filmes para se vingar de algum trauma do passado. É evidente também a atração que sente por transsexuais e travestis, figuras sempre presentes em sua obra, e por mulheres fortes e dominadoras (serão elas uma representação de algum figura materna ou da própria mãe do cineasta?).

A verdade é que este filme, além de ser repugnante, ainda faz um grande mal para a luta dos homossexuais contra o preconceito, já que utiliza do mesmo como artifício narrativo. Só recomendado para sádicos ou masoquistas.

Cotação: *

Filmes: "A Dama de Ferro"

OS NEOLIBERAIS TAMBÉM AMAM?

Filme pretende pintar um retrato humano de Margareth Tatcher, mulher que governou seu país durante 11 anos com mão de ferro e crueldade 

- por André Lux, crítico-spam

A ex-primeira ministra da Inglaterra, Margareth Tatcher, é uma espécie de musa máxima dos neoliberais, já que foi ela, em parceria com o presidente dos EUA na época Ronald Reagan, que implantou em seu país essa doutrina econômica que foi festejada pelas elites econômicas mundiais.

Como sabemos hoje, o neoliberalismo é a expressão máxima do capitalismo selvagem, na qual predominam a privatização (leia-se: doação) do patrimônio público, arrochos salariais, corte de gastos do governo com educação, saúde e qualquer outra coisa que cheira a “ser humano”, desregulamentação do mercado e perseguição brutal a sindicatos e organizações trabalhistas. O resultado dessa política desumana nós todos podemos sentir hoje na crise que assola o mundo e é resultado direto dessa doutrina que foi disseminada e implantada no resto do mundo por políticos de direita (inclusive no Brasil, durante os governos de Collor e Fernando Henrique Cardoso).

“A Dama de Ferro” pretende pintar um retrato humano dessa mulher que governou seu país durante 11 anos com mão de ferro e crueldade nunca antes vistas em uma sociedade democrática, ao ponto de seu próprio partido (Conservador) se voltar contra ela e retirá-la do governo numa virada de mesa engendrada por seus ex-aliados.

Meryl Streep tem uma atuação que está sendo bastante elogiada e concorre novamente ao prêmio Oscar da indústria cultural estadunidense, porém na minha opinião não é tudo isso. Primeiro porque é uma atuação de fora para dentro, toda baseada em efeitos de maquiagem e na cópia dos tiques e sotaques de Tatcher. Segundo, porque o roteiro não lhe dá grandes cenas e concentra-se quase todo nos últimos anos da musa do neoliberalismo, quando já sofria de demência em estado avançado, ao ponto de passar a maior parte do tempo conversando com o “fantasma” do marido morto.

Por meio de esparsos flashbacks, o filme vai mostrando sua trajetória, desde a criação familiar (seu pai pobre porém conservador - vejam que paradoxo! - teve importância fundamental na formação do caráter de Tatcher, diz o roteiro) até sua primeira vitória para o parlamento. Nesse ponto “A Dama de Ferro” resvala em uma certa ingenuidade, pintando Tatcher como uma mulher determinada que venceu o preconceito e o machismo dos homens de seu partido impondo sua visão de mundo e conquistando suas vitórias políticas.

Na vida real não me parece que isso tenha ocorrido dessa forma, pois a elite econômica que dominava a política na Inglaterra pode ter muitos defeitos, mas de bobos não tem nada. Assim, é muito mais provável que tenham enxergado na tola e crédula Tatcher uma maneira de seduzir uma parte do eleitorado que era arredio à nata da sociedade, na figura daquela mulher que, embora oriunda das classes inferiores, defendia com unhas e dentes os dogmas ideológicos que serviam para manter os ricos cada vez mais ricos e os pobres cada vez mais pobres (que é o objetivo máximo do neoliberalismo).

Piada pronta: Tatcher recebe a "medalha presidencial 
da liberdade" das mãos do facínora George Bush.

É interessante também o esforço que o filme faz no sentido de “humanizar” o personagem, inclusive mostrando que os neoliberais também podem amar. Só que isso acaba sendo descontruído durante a própria projeção, já que fica óbvio que Tatcher casou por interesse com um rico industrial para poder ser aceita pelas elites de seu partido. Ou seja, o que essa mulher amava mesmo era o dinheiro, o poder e o status (não necessariamente nessa ordem), tanto é que depois praticamente abandonou a família para perseguir obsessivamente seus ideais políticos (ao ponto de ser rejeitada pelo filho).

Nesse ponto ao menos o filme tem sucesso, pois mostra de maneira clara que até uma pessoa cruel, fria e calculista como a Sra. Tatcher é também apenas um ser humano e que, no caso dela, só vai sentir o peso de suas ações monstruosas no final da vida, embora isso não a faça mudar de opinião em relação às suas convicções. “O problema do mundo é que as pessoas sentem demais e pensam de menos”, vaticina a idosa Tatcher. Não, o problema do mundo são pessoas como a senhora.

Deus nos livre de ser governado por gente assim.

Cotação: * * *

Filmes: "Os Homens que Não Amavam as Mulheres” (2009)

O ORIGINAL É QUE É BOM

Não passe nem perto da patética refilmagem estadunidense. Esse é o filme que merece se visto!

- por André Lux, crítico-spam

Depois de assistir ao péssimo “Millenium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres” de David Fincher, fiquei curioso para ver a versão original, feita na Suécia em 2009. Muitos diziam que era superior. E eles tem razão. “Os Homens que Não Amavam as Mulheres”, do diretor Niels Arden Oplev é mil vezes melhor do que a versão estadunidense.

Tudo que eu considerei clichê no filme de Fincher na verdade não existe na versão original, que é muito mais poderosa, humana e assustadora. O filme de Fincher, agora que vi o original, me parece ainda mais frio, posado e artificial.

Aqui a investigação feita pelo jornalista é muito mais intrigante e bem amarrada. E a relação dele com a arredia Lisbeth Salander, inclusive sexual, faz muito mais sentido. É ela, por exemplo, quem descobre a relação dos nomes e números contidos na agenda de Harriet (no filme de Fincher essa revelação é feita de forma ridícula). Isso porque ela continuou hackeando o computador dele mesmo depois de terminada sua investigação. Além disso, quando ela se junta ao jornalista, os dois saem varrendo o país em busca dos assassinatos cometidos pelo maníaco (na versão estadunidense isso é resolvido em cinco minutos de procura no google), o que justifica ao menos uma crescente atração entre eles.

Outra coisa que é bem diferente da nova versão: o assassino não fica tentando de todas as maneiras ajudar a investigação feita por Blomkvist, pelo contrário. E quando ele se revela isso é feito de maneira coerente e verossímil. O diálogo entre ele e o jornalista em sua câmara de horrores é muito bom e chega a dar calafrios (no filme de Fincher essa cena é a mais risível).

O personagem Lisbeth Salander nesta versão é muito bem delineado e a atuação de Noomi Rapace é realmente excelente (mais do que nunca a moça no filme de Fincher ficou parecendo um alien robótico). Inclusive as cenas de estupro anal são filmadas com discrição e muito mais sugeridas, o que só aumenta a tensão, ao contrário da nova versão, onde elas são quase explícitas e só causam repulsa e choque (que são coisas que Fincher adora, comprovando seu caráter doentio e ególatra). Os traumas passados de Lisbeth também convencem nesta versão. E felizmente, a conclusão é bem mais interessante do que a do filme de Fincher, que tem até ceninha de ciúme juvenil totalmente incoerente com a proposta do projeto.

Percebe-se também claramente a ligação entre os crimes, o fanatismo nazista dos personagens e os horrores descritos na bíblia judaico-cristã (vale como bom lembrete de que os nazistas eram todos cristãos fundamentalistas e achavam na própria bíblia as justificativas para suas ações mais monstruosas). Gostei também que o policial que investigou o crime há 40 anos continua na ativa, ajudando na busca, fator que dá mais verossimilhança às descobertas. Sem falar que, por ser feito e passado na Suécia, o filme tem uma autenticidade muito maior do que a refilmagem, que optou apenas por colocar no mesmo país atores estadunidenses falando inglês com sotaques estranhos.

Enfim, palmas para Niels Arden Oplev por conseguir elevar ainda mais um livro que, pelo que tudo indica, não passa do medíocre, em um filme que contém também uma ótima trilha musical sinfônica de Jacob Groth, a qual realça o drama e o suspense de maneira muito eficiente (enquanto Fincher optou por uma trilha quase toda composta por ruídos atonais feitos por dois sujeitos oriundos de uma banda pop qualquer), além de uma fotografia primorosa.

Não passe nem perto da patética refilmagem estadunidense. Esse é “Os Homens que Não Amavam as Mulheres” que merece se visto!

Cotação: * * * *

Filmes: “Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres”

SUPERESTIMADO

História é um amontoado de clichês do gênero suspense policial só que embonecada para parecer profunda e erudita

- por André Lux, crítico-spam

O diretor David Fincher dá mais uma prova que está cada vez mais distante do brilhantismo que demonstrou em “Seven”, agora com esse superestimado “Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres”. O maior problema aqui é mesmo a história, baseada no livro escrito pelo suéco Stieg Larsson, que é um amontoado de clichês do gênero suspense policial só que embonecada para parecer profunda e erudita, assim como as obras de Dan Brown, de “O Código Da Vinci”.

O livro de Larsson já havia sido adaptado para o cinema na própria Suécia, mas não vi essa versão então não dá para comparar (quem viu garante que a original é melhor). Mas é muito estranho que Fincher tenha optado para fazer a sua versão da obra na mesma Suécia, só que usando atores estadunidense falando com um sotaque estranho. Por que não situar a ação nos EUA e mudar o enfoque?

Assim, assistimos ao jornalista feito por Daniel Craig (o atual James Bond, sem ter muito o que fazer) investigar o desaparecimento de uma menina que ocorreu há mais de 40 anos a pedido de seu tio (Christopher Plummer, que parece estar em todos os filmes ultimamente). Confesso que já matei a charada de cara, mas esperava algum tipo de surpresa no final – que não veio. A conclusão do mistério central é das mais banais, com direito até a psicopata dando explicações didáticas ao protagonista, só para dar tempo dele ser salvo. Para piorar, o filme ainda se arrasta por mais 20 minutos depois que o mistério é revelado numa subtrama que não tem qualquer impacto ou interesse, deixando a obra com mais de 2 horas e meia de duração!

Fala-se muito da atuação de Rooney Mara no papel da super investigadora meio punk, cheia de piercings e tatuagens, que é pintada como uma desajustada à beira da psicopatia, mas seu personagem é mal delineado e tem ações incoerentes. Como a sua súbita atração pelo jornalista que a deixa inclusive apaixonadinha, com direito até a cena de dor de cotovelo no final. Por causa dela também somos obrigados a assistir a duas cenas de estupro anal altamente repulsivas, filmadas com requintes de sadismo por Fincher, que não servem para nada na trama – exceto mostrar como a heroína é “fodona” e, claro, chocar as pessoas (coisa que todo cineasta metido a besta adora fazer).

A seu favor o filme tem uma excelente direção de fotografia de Jeff Cronenweth, que parece ter herdado o talento do pai Jordan Cronenweth (de “Blade Runner”). Mas é só. A mão pesada e pretensiosa de David Fincher, que cada dia parece estar mais enamorado pelo próprio umbigo, transforma “Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres” em uma experiência penosa, inclusive por causa da trilha sonora de Trent Reznor e Atticus Ross, oriundos de um grupo pop chamado "Nine Inche Nails", que não passa de um amontado de sons atonais e ruidos experimentais que em nada contribuem para criar o clima de suspense e intriga almejado pelo diretor.

Misteriosamente, o filme está indicado para vários prêmios “Oscar” e vem recebendo ótimas críticas mundo afora, prova de que o prestígio de Fincher entre os membros da Academia de Cinema estadunidense e a maioria dos críticos segue inabalado... Até quando?

Cotação: * *

Filmes: "Matrix Revolutions"

A VINGANÇA DOS NERDS

REVOLUTIONS é só mais uma parte de um imenso e divertido quebra-cabeças, o qual caberá a você montar no final da projeção.

- por André Lux, crítico-spam

Verdade seja dita: temos que tirar o chapéu para a dupla de irmãos Larry e Andy Wachowsky. Ao contrário de todas as expectativas eles conseguiram fechar a trilogia MATRIX com chave de ouro. Chega até a ser ridículo tentar comparar REVOLUTIONS com RELOADED já que ambos são duas partes de um mesmo filme, tanto que o terceiro começa no exato ponto que terminou o segundo (recomenda-se vê-lo novamente antes de ir aos cinemas).

O mais incrível é o fato de terem conseguido encerrar tudo sem apelar para explicações didáticas ou soluções simplistas (vide o patético MINORITY REPORT, de Spielberg), evidenciando de forma cabal o que espectadores mais atentos já haviam percebido nos dois primeiros filmes: tudo que vemos na tela nada mais são do que peças de um imenso quebra-cabeças que vai se formando por partes, cabendo então ao espectador juntar tudo na última cena e dar sentido ao que viu.

O mais divertido é notar o quanto a maioria dos críticos e "entendidos de cinema" têm soterrado o filme com suas críticas ferozes e rancorosas simplesmente por não terem sido capazes de responder as perguntas que o filme levantou, ainda mais quando as respostas estavam desde o início na cara de todos e não em profundas masturbações mentais acerca dos mistérios do universo... Não há (nem nunca houve) enigmas terríveis a serem decifrados, muitos menos mensagens profundas e existenciais para serem levadas a "sério" - e, sinceramente, alguém que tenha considerado levar a sério um filme estrelado pelo simpático canastrão Keanu Reeves no papel de um ex-nerd-de-computador-que-virou-Messias tem que procurar ajuda médica!

Qualquer um que tenha prestado atenção às pistas jogadas pelos Wachowsky desde o primeiro filme vai perceber que tudo que acontece em REVOLUTIONS é exatamente o que previu o Arquiteto no final de RELOADED. Quer dizer, nem tudo, pois há um diferencial que a princípio parece pequeno, mas é fundamental para a compreensão da saga de Neo e o significado das ações que ocorrem à sua volta. O personagem Oráculo tem papel fundamental nisso tudo, é claro, e nem são necessárias grandes elucubrações para descobrir qual. Todavia, algum tipo de reflexão será exigida para que as peças do quebra-cabeça formem um todo coerente no final.

O problema todo com MATRIX e as expectativas geradas pelas continuações é que o primeiro filme fez mais sucesso por causa de seus efeitos visuais revolucionários e pancadaria generalizada regada à golpes de karatê brilhantemente estilizados, quando na verdade o que o tornava acima da média e o diferenciava de ser uma mera exibição de técnica e pirotecnia era justamente as entrelinhas da trama. Se pensarmos bem, o que de tão diferente tem o primeiro dos outros dois filmes? A história se fecha de maneira redonda? Será? Reveja MATRIX e reflita sobre o que Neo conseguiu no final, além de tomar consciência de seus poderes e ?destruir? o agente Smith (Hugo Weaving, excelente). Algo mais? Certamente que não.

É por isso que, vistos sob essa nova perspectiva (e com o apoio dos ótimos episódios de ANIMATRIX), os dois filmes seguintes tornam-se tão saborosos e fica fácil entender porque estão sendo massacrados pela crítica. Afinal, descobrimos que a história tinha uma continuação e, infelizmente, ela não era exatamente o que a maioria das pessoas gostaria: o típico confronto "bem x mal" no qual o primeiro prevalece onipotente sobre o segundo. Muito pelo contrário. Não é a toa, portanto, que o filme chama-se REVOLUTIONS.

Pior de tudo é ver gente dizendo que o filme faz sucesso porque as pessoas gostam de se achar burras. Nada mais longe da verdade, já que somente críticos e intelectualóides gostam de louvar filmes indecifráveis e sem nexo feitos por malas sem alça que são são tidos como gênios intocáveis por pessoas que preferem morrer a ter que admitir que não entenderam absolutamente nada que viram nos filmes ("não entendi, então deve ser genial", concluem). Já a maioria das pessoas gosta sabiamente é de entender tudo a que assiste. Pena que, devido à qualidade cada vez mais baixa dos filmes muitos simplesmente desaprenderam a pensar e refletir sobre o que veem na tela, acostumados que estão a receber tudo pronto no final de preferência com algum personagem explicando a trama durante uma narração...

Não é de se estranhar, portanto, que MATRIX REVOLUTIONS não está fazendo e nem vai repetir o sucesso do primeiro filme que, embora fosse tão complexo quanto os subseqüentes, ao menos tinha um final (pseudo) redentor e mais aceitável, o que apagava o fato de que a maioria simplesmente não tinha entendido quase nada até então. É por essas e outras que devemos dar os cumprimentos aos irmãos Warchowsky que, com REVOLUTIONS, firmaram afinal sua derradeira vingança contra aqueles que acham que meros nerds não teriam capacidade (ou direito) de criar algo novo e revolucionário, mesmo que para isso tenham bebido em diversas fontes das mais variadas origens e vertentes - mais do que nunca a saga de DUNA, de Frank Herbert, se faz presente na MATRIX (quem leu os livros certamente vai lembrar, por exemplo, do messias cego de Arrakis).

E se não bastasse tudo isso, ainda temos a chance de ver cenas de ação tensas e repletas de efeitos visuais exuberantes - felizmente as lutas protagonizadas por Neo são mais convincentes e dramáticas do que as redundantes de RELOADED. Digna de nota também é a majestosa música de Don Davis, que finalmente ganhou o destaque e a importância merecidas. Merece louvor também o papel de destaque que as mulheres têm no desenrolar dos eventos, bem como o fato do filme dar grande destaque aos personagens negros, geralmente relevados ao papel de meros coadjuvantes na maoiria dos filmes produzidos em Hollywood.

Ou seja: quem entrar no cinema esperando ver desvendados os mistérios da vida ou, ao contrário, receber explicações didáticas e herméticas vai obviamente ficar frustrado. Já quem está sendo capaz de seguir a trama sem se deixar levar pelo excesso de expectativas e está consciente da intenção dos autores desde o início (a qual ficou ainda mais clara e óbvia em RELOADED) vai certamente se divertir. Mesmo porque a palavra chave é exatamente essa: diversão. MATRIX nada mais é do que diversão de qualidade, repleta de ação, efeitos e citações ao pop contemporâneo, mas que de quebra faz pensar - mas não em bobagens pretensiosamente indecifráveis como o "sentido da vida" ou o "sexo dos anjos", mas sim na própria trama descrita no universo do filme.

Sinceramente, você quer mais do que isso num filme-pipoca? Então o problema é seu...

Cotação: * * * * ½

Filmes: "Matrix Reloaded"

REINVENTANDO A RODA 

Ao invés de baterem na mesma tecla, idealizadores da MATRIX escolhem apostar na inteligência do público e percorrem caminhos ainda não trilhados

- por André Lux, crítico-spam

Os irmãos Larry e Andy Wachowsky conseguiram, em 1999, revolucionar novamente o cinema de entretenimento com seu MATRIX, injetando sangue novo a esse tipo de produção conhecido como ficção científica, gênero que havia sido catapultado às alturas por George Lucas e seus STAR WARS no final dos anos 70. Com um mistura inteligente e esperta da mitologia dos quadrinhos, computadores e lutas de kung-fu, o filme tornou-se um imenso sucesso de crítica e público, a ponto de lançar moda e gerar um sem número de imitadores (AS PANTERAS, O TIGRE E O DRAGÃO, etc), derrotando, inclusive, o próprio STAR WARS: EPISÓDIO 1 do mesmo Lucas que já ficou obsoleto.

Depois que se tornou um fenômeno e virou cult, os diretores/roteiristas passaram a proclamar que MATRIX deveria ser, na verdade, uma trilogia tendo sido concebido dessa forma desde sua origem. Será mesmo? Ou estariam dizendo isso apenas para poderem criar novas seqüências do original, repetindo a fórmula em busca do sucesso fácil e rápido? Chega então MATRIX RELOADED, a primeira e inevitável continuação do primeiro filme, dividindo de cara tanto a crítica quanto os espectadores. Bom sinal. Afinal, como dizia Nelson Rodrigues, a unanimidade é burra.

Quebrando todas as expectativas e pré-conceitos, os Wachowsky conseguiram, por mais incrível que pareça, reinventar a roda e conceberam uma continuação ainda mais alucinante e complexa do que o original, ao invés de bater na mesma tecla e percorrer caminhos fáceis e conhecidos. Só a seqüência final do confronto entre Neo (Keanu Reeves, discreto e eficiente) e o chamado Arquiteto (Helmut Bakaitis) já vale o filme. O diálogo travado entre os personagens é daqueles capazes de provocar dores de cabeça de tão bizarro e, quanto mais refletimos sobre ele, mais as dúvidas aumentam. Visto sob a luz das revelações propositalmente obscuras até o filme original ganha novos contornos e interpretações (obviamente só conheceremos toda a verdade no próximo capítulo, MATRIX REVOLUTIONS). Em época de divertimento cada vez mais descerebrado e facilmente digerível, é digno de nota alguém ter coragem de colocar tamanha ousadia conceitual nas telas.

A idéia da luta entre homens e máquinas não é nova e foi aproveitada no cinema diversas vezes (2001, O EXTERMINADOR DO FUTURO, entre tantos outros). O mérito dos cineastas em questão, todavia, não foi somente absorver e inserir em MATRIX essas premissas já apresentadas anteriormente, mas sim serem capazes de digeri-los e criar algo que parecesse totalmente contemporâneo e inovador, mesmo usando técnicas e conceitos que não são novidades. Tanto é verdade que o filme tornou-se realmente famoso não tanto por suas seqüências que traziam efeitos visuais revolucionários (como o bullet time) e lutas espetaculares, mas muito mais pela maneira lógica e coerente com que foram inseridos no roteiro, sempre a serviço da trama e de seus personagens.

E esse acaba sendo justamente um dos pontos fracos de RELOADED: as lutas que incluem Neo (que já sabemos tornou-se uma espécie de Super-homem dentro da Matrix), acabam se tornando óbvias e desnecessárias. É particularmente tola e gratuita a cena na qual luta com centenas de agentes Smith (Hugo Weaving, excelente), pois é quase que totalmente baseada em efeitos visuais a ponto de deixá-la com cara de videogame (há também uma falha gritante e imperdoável nela: vê-se claramente um painel branco usado para refletir a luz dos holofotes no reflexo dos óculos dos atores). As coisas só voltam mesmo aos eixos de suspense e apreensão quando Neo é deixado de fora e as cenas de ação são concentradas em torno de Morpheus (Laurence Fishburne) e Trinity (Carrie-AnneMoss), já que ambos não têm os mesmos superpoderes e correm real perigo, ou então quando Neo enfrenta alguém digno de seus poderes. A tão falada perseguição na rodovia (construída especialmente para o filme), que dura cerca de 15 minutos, é realmente sensacional, de tirar o fôlego, muito ajudada pela presença sinistra dos gêmeos fantasmas.

O filme só cai quando centra a ação na cidade de Zion (Sião), último refúgio dos humanos que não estão presos à Matrix. Ali RELOADED resvala na banalidade, perdendo tempo com tramas e sub-tramas que envolvem tolos conflitos entre comandantes, ciúmes, traições e reuniões de conselho que deixam o filme com aquele ar brega que está ajudando a detonar os novos STAR WARS e o impendem de atingir o nível de perfeição do primeiro. Mas, por sorte, esses momentos são poucos e os realizadores voltam suas tintas rapidamente para o mundo virtual. O maior mérito do roteiro, todavia, é conseguir manter um caráter intimista centrado nos conflitos internos dos personagens. E isso sem deixar de lado as seqüências de ação e lutas regadas a efeitos visuais mirabolantes.

Quanto às fontes de inspiração dos autores de MATRIX, algumas são mais do que evidentes e já foram apontadas inúmeras vezes ("Alice no País das Maravilhas", "Ronin" de Frank Miller, etc). Entretanto, à medida que o novo roteiro ia se desdobrando ficou claro que muitas idéias contidas nele são oriundas (conscientemente ou não) de DUNA, de Frank Herbert, especialmente a orgia em Zion (similar às realizadas nos sietches Fremem) e o conceito de profecias e messias pré-fabricados (ou não?) para manterem o controle de quem detém o poder. Como sou fã de Herbert e sua obra, não poderia ter ficado mais surpreso com a ousadia dos Wachowsky, que foram capazes de traduzir esses conceitos complexos para a tela com muito mais precisão do que os próprios cineastas que literalmente filmaram DUNA!

Mas o importante mesmo é que MATRIX RELOADED tem qualidades suficientes para manter o interesse até seu final totalmente aberto (já anunciando que "será concluído") e é o tipo de filme que vai levar legiões de apreciadores ao cinema, fazendo-os retornar inúmeras vezes a fim de tentar decifrar tudo que existe por trás de seus conceitos e filosofias difíceis de assimilar e traduzir. Exigir mais de um filme dito de "entretenimento" seria até incoerente, embora fique óbvio que muitos terão dificuldades para entrar no filme e, por isso, vão desprezar o resultado final. Mas difícil mesmo vai ser, daqui para frente, tentar bater MATRIX e seus subprodutos. Com certeza vai levar um bom tempo até que apareça alguém capaz de reinventar essa roda novamente. E isso, convenhamos, não é pouca coisa.

Cotação: * * * *

Filmes: "Minority Report"

MORALISTA E REACIONÁRIO

Spielberg é imaturo e mal resolvido demais para adaptar a obra de um autor complexo e sombrio como Philip K. Dick

- por André Lux, crítico-spam

Depois do ridículo A.I. (INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL) esparava-se que o diretor Steven Spielberg tivesse aprendido de vez a lição: fazer filmes metidos a sérios e profundos não é a sua praia. É o que sugeriu ao anunciar que seu novo filme seria uma ficção científica com altas doses de aventura e suspense. Todavia, passamos a perceber que havia algo de podre no ar quando descobrimos que o filme seria baseado em um livro de Phillip K. Dick, autor fora do comum capaz de antever em meados dos anos 1950 coisas como clonagem humana, superpopulação nas grandes capitais e perda total da privacidade - fatos comuns nos dias de hoje. Sua obra transborda de críticas sociais, é extremamente amarga, pessimista e passível de diversas leituras e interpretações.

Dois de seus livros resultaram em obras-primas do cinema: BLADE RUNNER, de Ridley Scott, clássico do cinema de arte e um dos filmes mais influentes do final século 20, e O VINGADOR DO FUTURO, de Paul Verhoeven, montanha russa de ação e violência para consumo rápido dos fãs do brutamontes Arnold Schwarzenegger, mas que não deixava de trazer altas doses de tiradas ácidas e subversivas principalmente contra o fascismo e a militarização.

Agora é a vez de MINORITY REPORT ser levado às telas. Nele encontramos uma sociedade do futuro (2056) às voltas com um novo sistema de controle de crimes baseado nas visões pré-cognitivas de três seres modificados geneticamente. Graças a eles, os policiais podem antecipar-se aos crimes e prender os assassinos antes que os cometam. Esse sistema aparentemente infalível já levanta uma questão polêmica de cara: como um réu pode defender-se de um crime que poderia cometer, mas não cometeu? Não pode e por isso é preso para sempre e sem direito a defesa.

Além disso, essa sociedade futurista é totalmente controlada e vigiada por um sistema de leitura de retina onipresente. Ou seja, na previsão de Dick privacidade é algo que não vai existir no futuro. Nossos passos serão seguidos 24 horas por dia e qualquer deslize pode ser fatal. É o ser humano, mais do que nunca, reduzido a um mero número que fará parte de alguma estatística, totalmente domado por um sistema de comunicação de massa que o bombardeia em todos os cantos com propagandas e notícias manipuladas. Pesadelo maior que esse, impossível. Improvável? Lembre-se então dos reality shows do tipo “Big Brother” que nos enfiam goela abaixo cada vez mais...

Mas, como já era de esperar em se tratando de um filme de Spielberg, todas essas questões assustadoras já são descartadas de cara pelo diretor, que mais uma vez concentra toda sua atenção em pirotecnias visuais inócuas. Não há qualquer comentário sobre essa sociedade doente, nem sequer um mínimo questionamento sobre a perda da humanidade e o controle fascista, já que esses recursos de domínio e manipulação são meros adereços colocados na tela somente para 'embonecar' o filme e deixá-lo com cara de futurista.

Desperdiçar todas essas questões extremamente ricas e interessantes já é um crime por si só, mas se não bastasse isso ainda somos obrigados a engolir as mensagens moralistas e reacionárias de Spielberg, carregadas de ridículos ataques a consumidores de drogas e de louvor à família moldada no tradicional "american way of life". Chega a impressionar o tratamento dado pelo diretor ao personagem principal, o policial John Anderton (feito pelo inexpressivo Tom Cruise, repetindo aqui pela enésima vez seu tipo "baixinho invocado") que é um viciado em drogas pesadas dentro de casa, mas um profissional reto e limpinho quando está na delegacia. Além disso, ele só usa drogas (explica o diretor) porque se sente culpado pela morte do filho - afinal ele é o nosso "herói" e, portanto, tem que ter seu vício justificado de alguma forma, enquanto o resto dos usuários no filme é tratado como um bando de degenerados! Essa atitude superficial e moralista não é abandonada nem quando Anderton passa a ser perseguido pelo próprio sistema que ele tanto louvava, depois que os pre-cogs prevêem um assassinato cometido por ele, obrigando-o a fugir e tentar provar sua inocência.

A diluição da trama é ainda intensificada pela inclusão de diversos personagens completamente esquemáticos e estereotipados, cujas aparições na tela remetem a programas de humor rasteiro e escatológico, estilo 'Zorra Total' da Rede Globo. Difícil saber quem é pior: a cientista vestida como árvore de natal que mora no meio do mato e cultiva plantas carnívoras, o hacker encardido metido a engraçadinho, o nerd histérico e abobalhado que cuida dos pré-cognitivos, o agente do governo Federal todo arrogante (feito de maneira posada e artificial por Collin Farrel) e que implica de cara com o herói, o guarda da prisão com sotaque de caipira tocando “Fantasma da Ópera”. O ponto mais baixo de toda essa estupidez é a seqüência da operação dos olhos de Anderton, feita por um médico totalmente repulsivo (o ator Peter Stormare chega a expelir gratuitamente largas doses de muco nasal em frente à câmera!) e sua enfermeira grotesca. Será que a intenção do diretor era nos fazer rir de tudo isso? Infelizmente só conseguiu causar asco e constrangimento.

Se não bastasse a destruição de todas as boas premissas da história, que nas mãos de um cineasta mais engajado ou ao menos mais maduro intelectualmente poderia ter rendido uma excelente aventura futurista, o filme é incrivelmente arrastado e enfadonho. Existem apenas três seqüências de ação propriamente ditas - Cruise pulando sobre carrinhos digitais, sendo perseguido por policiais voadores e fugindo de uma montadora de carros futuristas (que ao que parece já saem de fábrica prontos para serem usados, inclusive com combustível!). O resto do filme limita-se a uma previsível montagem das peças de um quebra-cabeça que poderia até ser intrigante caso não fosse tão previsível e banal - qualquer pessoa que já tenha visto uns dois filmes policias estilo noir vai ser capaz de adivinhar de cara quem é o vilão traidor da história, bem como todos os desenlaces baseados nos maiores clichês do cinema.

Sem dizer que o plano deles de espalharem o sistema pré-cognitivo para o resto do país é um tremendo furo do roteiro, já que o existente funciona apenas graças a um acidente genético que gerou os seres que fazem as previsões. Como, portanto, poderiam exportar essa “tecnologia” para outros estados?

Assim como em INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL o design visual do futuro é lamentável alternando, sem a menor coerência, ambientes limpos e herméticos repletos de transeuntes tranqüilos e bem vestidos, com becos sujos e decadentes onde seres humanos maltrapilhos vivem em habitações decadentes. Temos a impressão que os personagens pulam, de uma hora para outra e sem a menor lógica ou justificativa, dos cenários esterelizados de 2001 para as ruas sombrias e poluídas de BLADE RUNNER.

Mas pior mesmo é a conclusão na qual Spielberg, não satisfeito em detonar todas as chances do filme tornar-se minimamente interessante ou ao menos divertido, arruma um final feliz digno das maiores gargalhadas, com direito até a narração em off que não apenas explica todos os detalhes da trama (afinal, os espectadores são burros e precisam de alguém para resumir tudo) como ainda encerra o filme numa cena que parece ter sido tirada do clássico "Os Três Porquinhos". Só faltou mesmo o "... e viveram felizes para sempre!".

Digno de nota é o fato de que o título do filme, MINORITY REPORT, não tem qualquer relação com a trama e aparece somente durante diálogo de uma cena sem trazer maiores conseqüências para o desenrolar do roteiro - e para brasileiros tem menos ainda, já que a fala dos personagens é traduzida apenas como “relatório”. Triste é ver os defensores de Spielberg justificando seu fracasso com frases do tipo "Quem não gostou não entendeu...". Impossível, pois com explicações didáticas e infantis pipocando na tela a cada 20 minutos de projeção não tem como não entender um filme como esse.

A verdade pura e simples é que MINORY REPORT é a prova cabal de que Spielberg continua uma pessoa imatura e mal resolvida, perfeito talvez para realizar filmes de fantasia para jovens e crianças (vide o excelente E.T.), mas nunca para ficções-científicas baseadas na obra de um autor complexo e sombrio como Philip K. Dick.

Cotação: *

Filmes: "Dogville"

SESSÃO DE SADO-MASOQUISMO

Diretor apaixonado pelo próprio umbigo ensina durante três horas que os seres humanos não prestam. Bem vindo à Terra, sr. von Trier...

- por André Lux, crítico-spam

Por que será que tanta gente ainda se impressiona com engodos como DOGVILLE? Não me levem a mal, pois nada tenho contra os chamados "filmes de arte" (uma definição bastante discutível, por sinal), que geralmente são lentos, contemplativos e pretensamente complexos, características negativas que precisam ser compensadas por tramas ricas e mensagens profundas.

Infelizmente, essa segunda definição que transformaria DOGVILLE em um desses não faz parte dessa nova empreitada do diretor Lars von Trier, já que seu filme é somente chato, modorrento e insuportavelmente longo. Não bastasse isso, possui uma trama digna de novelas mexicanas só que enfeitada por diálogos pseudo-profundos e repletos de pregação moralista saídas de um cineasta que só pode estar apaixonado pelo próprio umbigo.

Ciente disso (ou não), von Trier aplica uma típica artimanha radicalmente pré-fabricada para gerar polêmica: não existem cenários no filme, apenas riscos no chão e alguns móveis num grande galpão, remetendo a uma espécie de teatro filmado (em digital, não película). Revolucionário? Genial? Pode até ser. Pena que tal recurso esteja a serviço do nada, já que a história de DOGVILLE é das mais batidas e banais possíveis. Gira em torno de uma minúscula cidade nas Montanhas Rochosas e seus habitantes pobres, cujas vidas mudam com a chegada de uma estranha, fugindo da perseguição de gangsters. Para conquistar o carinho da população e ser aceita na cidade, Grace (Nicole Kidman) passa a fazer pequenos favores para todos, passando a ser explorada de maneira cada vez mais desumana, até chegar à escravidão total.

Ou seja, von Trier fez um filme para nos mostrar que o ser humano, até mesmo os habitantes de uma inocente cidade no campo, é podre e capaz de atos brutais. Vejam só, quanta novidade! Pior que o sujeito nos "ensina" isso durante as mais de três horas de projeção, tempo no qual somos obrigados a ver a senhora Kidman (que parece estar se especializando no papel de "Amélia", vide o também sofrível AS HORAS) sofrendo todo tipo de martírio, desde sucessivos estupros até ser acorrentada numa roda de ferro! Mas o sofrimento da protagonista é tão artificial e suas reações tão sem coerência, que são incapazes de passar qualquer tipo de sentimento genuíno.

O filme também tem uma narração (feita por John Hurt) intrusiva, didática e pseudo-irônica (só que levada a sério, se é que isso faz algum sentido), que deixa o filme com ar daqueles quadros dos filmes do Monty Python! Ou seja, a gente ri quando deveria ficar chateado ou chocado com tudo aquilo. Mas nem esse riso involuntário salva o filme, já que só acontece esporadicamente.

Claro que entendemos o objetivo de von Trier e toda sua "pregação moral", especialmente contra os EUA (país que o diretor nem mesmo conhece!). Porém, é preciso ser muito ingênuo ou então recém-chegado ao planeta Terra para se impressionar com as bombásticas revelações que o diretor desvendou e parece querer nos mostrar (as quais foram abordadas de maneiras muito mais contundentes e muito menos pretensiosas em filmes realmente bons, como AS BRUXAS DE SALEM).

Certamente, alguns ainda vão ser capazes de achar incontáveis conteúdos filosóficos em DOGVILLE (afinal, acharam até no ridículo HULK, do Ang Lee!), ao mesmo tempo em que "Amélias" pós-modernas vão se derreter com as injúrias sofridas pela pobre Grace. O resto dos normais vai simplesmente bocejar e ficar contando os capítulos que dividem o filme (são nove no total) à espera do final dessa interminável sessão de sado-masoquismo cinematográfico regado pelo mais inócuo papo-cabeça. Certos mesmo estavam aqueles que saíram no meio da sessão e foram fazer algo mais proveitoso com seu tempo...

Cotação: *

Filmes: "As Horas"

AMÉLIAS EM DESFILE

Nariz postiço de Nicole Kidman é o retrato perfeito desse drama pretensioso e repleto de "momentos Oscar"

- por André Lux, crítico-spam

Existem filmes que são feitos para ganhar Oscar. AS HORAS é mais um deles. Os ingredientes estão todos lá: atrizes respeitáveis e de peso (no caso, Nicole Kidman, Meryl Streep e Juliane Moore), roteiro baseado numa obra e numa escritora apreciadas por intelectuais e premiadas, narrativa arrastada e pretensiosa, etc. Às vezes essa receita até resulta em grandes filmes, verdadeiras obras-primas do cinema, carregadas de conteúdos e diálogos marcantes, cenas memoráveis e interpretações irretocáveis.

Nada disso, infelizmente, aconteceu aqui. Essa necessidade de “ser genial” e “premiável” atrapalha o filme desde o início, tornando-o falso, mecânico e modorrento. Ele tem tanto ritmo, profundidade e emoção quanto uma poça de água parada. A cada quinze minutos alguma das atrizes principais faz um longo monólogo diante das câmeras, que invariavelmente terminam em choros ou demonstração de emoções compulsivas: é puro “momento Oscar”!

Baseado no livro AS HORAS, de Michael Cunningham, ganhador do prêmio Pulitzer (o Oscar da literatura estadunidense), tem como ponto de partida o suicídio da escritora Virginia Wolf, passando em seguida a traçar um paralelo entre sua vida e obra (particularmente “Mrs. Dalloway”) com duas outras mulheres, distantes dela no tempo e no espaço. Uma é a dona de casa (Juliane Moore) que está lendo justamente aquele romance. Outra é uma lésbica assumida e editora (Meryl Streep em papel quase idêntico ao que interpretou em ADAPTAÇÃO), que passa o tempo cuidando de um ex-amante doente de AIDS (Ed Harris, cuja maquiagem o deixa parecido com o homem-mosca) e, ao que parece, está justamente vivenciando a história do livro (mas o filme nunca deixa isso claro e só mesmo quem leu “Mrs. Dalloway” vai saber responder).

Mas o que essas mulheres têm em comum, além das referências à obra de Wolf? As três são chatas, infelizes e psicologicamente regredidas. Verdadeiras "Amélias" em desfile. Nunca um filme mostrou o universo feminino como sendo algo tão desinteressante e modorrento. As personagens são totalmente vazias, obsessivas, suas vidas medíocres, seus atos e resoluções incoerentes.

Nem sequer ficamos conhecendo direito a escritora Virgina Wolf, que no filme parece ser simplesmente uma mulher louca, mal vestida e chata, cujo maior prazer na vida é fazer cara de coitada ou irritar o marido passivo e suas serviçais (isso sem dizer em tentar suicidar-se). O grotesco nariz postiço que Nicole Kidman usa para tentar ficar mais parecida como a escritora deixa sua atuação ainda mais artificial e inconvincente, visto que paralisa seus olhos, obrigando-a a ficar sempre com a mesma cara. Não faz o menor sentido, portanto, quando fica proclamando ter um “apego à vida”, como se esse jargão em si significasse alguma coisa. Do jeito que vive, parece ser justamente o contrário. Ora, suicidas podem ter tudo, menos "apego à vida"!

O filme, por sinal, parece querer convencer que tendência suicida é sinônimo de personalidade forte e complexa. Essa conclusão psicológica primária e bizarra fica evidente na atuação de Juliane Moore, de longe a pior do elenco, cuja expressão durante o filme lembra a de uma deficiente mental, nunca a de uma mulher em luta consigo mesmo ou à procura de uma nova vida. Parece que ela quer se matar só porque não consegue fazer nada, nem mesmo um bolo de chocolate!

Existem outros personagens que entram e saem sem trazer a menor conseqüência para a história, muito menos para o desenvolvimento dela (Toni Collete e Jeff Daniels, por sinal, estão absolutamente ridículos). Há também uma obsessão por parte dos realizadores em mostrar mulheres beijando-se, como se tentasse justificar as loucuras e problemas delas pelo fato de serem homossexuais reprimidas ou algo que o valha (repare que todo mundo no filme é gay ou então parece que gostaria de ser e, clichê dos clichês, adora ópera, teatro e poesia). Dá-lhe psicologia de almanaque!

É particularmente irritante a trilha musical do minimalista Philip Glass (outro que é sinônimo de “erudição” e “refinamento” na corrida pelos Oscar). Sua música onipresente e repetitiva pode até combinar com filmes estáticos ou desfiles de imagens, como KOYAANISQATSI, mas é absolutamente errada para esse tipo de drama.

Sinceramente, o filme é tão chato, frio e inconseqüente que não consegue nem mesmo despertar o interesse por parte do leigo em conhecer a obra da escritora Virginia Wolf! Lamentável. Recomendado só para intelectuais entre aspas ou para pessoas que possam se identificar com as personagens vazias e regredidas que desfilam pelo filme.

Cotação: * ½

Filmes: "Fahrenheit 11 de Setembro"

DEDO NA FERIDA

Michael Moore não tem medo de mostrar os bastidores do poder no comando do país mais poderoso do mundo

- por André Lux, crítico-spam

A principal sensação que fica após o término da exibição de “Fahrenheit 11 de Setembro” é a de revolta. Não contra seu autor, Michael Moore, nem tanto contra os fatos por ele apresentados (que obviamente não devem ser novidade para qualquer pessoa minimamente bem informada e de bom senso), mas sim pela triste constatação de que o documentário atesta o que a maioria de nós já sabe faz tempo: o jornalismo, ao menos em sua concepção original investigativa e de prestação de serviços públicos, está morto e enterrado.

O que Moore fez durante toda projeção de seu filme nada mais é do que mostrar aqueles lados das notícias que nunca sequer são cogitados em aparecer nos grandes meios de comunicação de massa, justamente o lado dos excluídos e dos que realmente sofrem com os atos mesquinhos e irracionais dos governantes – no caso, George W. Bush e seus assessores.

Ao contrário da esmagadora maioria dos jornais e revistas auto-proclamados “sérios”, o cineasta em questão não tem medo de mostrar os bastidores do poder no comando do país mais poderoso do mundo. Ou seja, ele enfia o dedo na ferida sem dó. Não é a toa, portanto, que o sujeito é odiado e acusado a todo instante de manipulador, exagerado e até mentiroso. Essa técnica não é novidade: ao invés de se atacar a mensagem e os fatos apresentados, ataca-se o interlocutor, tentando-se denegrir sua imagem pessoal a fim de desviar o foco das informações contundentes que tenta divulgar.

Moore faz jornalismo engajado, o que, em última instância, é o único tipo que existe. Ou será que existe alguém ingênuo o suficiente para crer que as grandes empresas de comunicação realmente praticam aquele utópico “jornalismo imparcial”, que se aprende no primeiro dia de aula de Jornalismo e que alguns ainda defendem com unhas e dentes – como se o ser humano fosse realmente capaz de transmitir dados e informações sem deixar suas emoções e crenças interferir no processo...

O que mais impressiona no caso de “Fahrenheit 11 de Setembro” é que, diferente de seus outros documentários (como “Tiros em Columbine” e “Roger e Eu”), o cineasta procura ser o mais discreto possível, limitando-se a levar à tela o máximo de informações possíveis a cerca de tudo que os atuais membros do governo dos EUA tem feito nas últimas décadas, culminando com a invasão do Iraque. O maior trabalho de Moore, no caso, foi o de esmiuçar todas as declarações dos tais líderes, buscar documentos, colher depoimentos e simplesmente ligar A com B.

Mesmo assim ainda o acusam de ser sensacionalista e mentiroso. Não vou entrar no mérito de tentar convencer ninguém de que aquilo que é mostrado na tela seja uma verdade absoluta, mesmo porque isso não existe. Mas será mesmo possível que TUDO que foi mostrado em “Fahrenheit 11 de Setembro” não passe de uma armação feita por um lunático que quer apenas chamar a atenção para si mesmo atacando os pobres familiares de Bush e seus amigos ricaços?

Afinal, pense bem, não foi Moore quem nomeou o secretariado do governo dos EUA, o qual era 99% composto por ex-diretores e/ou proprietários de grandes indústrias de armamentos, grupos de investimento ou multinacionais petrolíferas. Não é Moore também quem mantém relações comerciais bilionárias com a família do suposto mentor dos atentados que destruíram as torres gêmeas do WTC. Nunca vi o cineasta se auto-proclamando o “presidente da guerra” e forjando invasões a países que nunca ameaçaram a soberania dos EUA. E se alguém aí testemunhou Moore arregimentando jovens de classes econômicas inferiores para servir no exército de seu país, por favor, me avise.

Por sinal, achei Moore até menos contundente do que de costume, evitando entrar em assuntos por demais inflamatórios sobre os quais não teria provas suficientes para amarrar uma argumentação lógica. Ele, por exemplo, apenas deixa no ar a possibilidade de que os “atos terroristas” perpetrados em solo estadunidense em 11 de setembro de 2001 tenham sido planejados com a ajuda de gente interna de seu próprio país. As pistas estão lá, para quem quiser ver: relatórios sobre atividades de terroristas dentro dos EUA sendo sumariamente ignoradas pela alta cúpula do governo, empresas ligadas diretamente ao clã dos Bush e dos Bin Laden lucrando horrores graças aos ataques, etc.

Ciente de que essa linha de raciocínio o distanciaria de seu objetivo e levantaria a possibilidade de ser chamado mais facilmente de paranóico e demente, Moore preferiu manter seu foco na demonstração clara e evidente de que as últimas guerras arrumadas por Bush tinham nada mais do que objetivos comerciais: a construção de um gasoduto no Afeganistão e a conquista dos poços de petróleo do Iraque. Os atentados e a campanha de amedrontamento contra a sua própria população apenas serviram como desculpas para isso.

E a conseqüência de tais atos são milhares de mortos e feridos, em sua maioria civis, que nem mesmo sabem porque estão sendo atacados. Não é de se estranhar que sintam tanto ódio contra os EUA e, por tabela, contra toda a civilização ocidental. Não é por acaso que um dos momentos mais repulsivos do documentário acontece quando presenciamos jovens militares estadunidenses (nada mais do que nerds fantasiados de soltados) relatando entusiasticamente que tipo de música gostam de ouvir enquanto matam seus “inimigos”, no melhor estilo video-game.

No final, Moore tenta convencer (sem sucesso) membros do senado estadunidense a alistarem seus filhos no exército para que sejam enviados ao Iraque, a fim de ajudar nos esforços de guerra que eles mesmos tanto defendem. Em paralelo a isso, acompanhamos o depoimento emocionado de uma mãe que defendia o alistamento de seus filhos, até que ele foi morto em combate no Iraque. A mulher vai até Washington ver de perto a Casa Branca na tentativa de entender os motivos que levaram aqueles que governam seu país a enviarem seu filho à morte. Ela encontra uma senhora iraquiana que protesta timidamente contra Bush. No meio desta cena arrebatadora, aparece uma mulher com um sorriso irônico que solta o que é, de fato, a maior crítica que Michael Moore vem recebendo: “Isso é tudo uma encenação”.

A resposta que aquela mãe pesarosa, cuja vida foi destruída com a morte sem sentido do filho, dá a Moore em relação a esse comentário é, em todas as instâncias, o resumo básico da condição humana, a qual está nos levando cada vez mais para o fundo do poço enquanto uma minoria desumana obtém lucros exorbitantes com isso. Quem viu “Fahrenheit 11 de Setembro” vai lembrar-se da frase. Quem não viu... bem, o que é que você está esperando?

Cotação: * * * *

Filmes: "Peixe Grande e Suas Histórias Maravilhosas"

HISTÓRIAS DE PESCADOR

Tim Burton deixa de lado seus cacoetes irritantes para prestar uma homenagem tocante à figura querida do contador de “causos”

- por André Lux, crítico-spam

“Peixe Grande” é, ao lado de “Ed Wood” e “O Estranho Mundo de Jack”, um dos melhores filmes do irregular Tim Burton. Os maiores defeitos da maioria de seus filmes eram o excesso de histeria, de situações bizarras e de cenários altamente estilizados que o diretor imprimia aos roteiros sem necessidade, fatores que acabavam enfraquecendo e diluindo as histórias que se propunha a contar. Filmes como “Batman: O Retorno”, “A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça” e “Marte Ataca” padeciam desses defeitos.

Felizmente, em “Peixe Grande” Burton deixou de lado esses cacoetes irritantes e concentrou seus esforços em contar a saga de Edward Bloom e suas histórias maravilhosas da maneira mais discreta possível (a exemplo do que fez em “Ed Wood”, sua obra-prima).

Confesso que demorei a “entrar no clima” do filme, cujo protagonista (interpretado de maneira convincente por Ewan McGregor, quando jovem, e Albert Finney, na terceira idade) é incapaz de contar qualquer evento de sua vida sem transforma-lo numa espécie de conto de fadas, repleto de personagens e situações bizarras, nos quais ele sempre desempenha um papel heróico e alegre. A verdade é que a narrativa é um pouco lenta, truncada e perde tempo demais em detalhes dos “causos” contados pelo protagonista, já que o ponto mais importante da trama é o fato dele ter problemas de relacionamento com o filho, o qual passou a desprezar o pai justamente pelo excesso de histórias fantasiosas que profere (consideradas como meras “mentiras” por seu filho quando atinge a maioridade).

A verdade é que só no final, extremamente tocante e singelo, é que o rapaz (e a platéia, por tabela) entende afinal qual é o significado da vida de Bloom e de suas histórias. E é nessa hora que aplaudimos Burton, cujo objetivo com esse filme era simplesmente louvar aquela figura tão característica que todos nós conhecemos algum dia em nossas vidas: a do contador de histórias. Quem é que nunca teve um tio, um avô ou um mero conhecido que enriqueceu nossas infâncias com seus “causos” sempre cheios de exageros e fantasias divertidas? No mínimo, uma boa história de pescador todos já ouviram. Não é à toa, portanto, que “Peixe Grande” começa justamente com uma delas!

O filme só não é melhor porque Tim Burton comete erros banais, como insistir em trabalhar com o amador Danny Elfman, cuja música é sempre óbvia e impede o filme de atingir níveis mais profundos, e em escalar a horrível Helena Bonhan Carter (atual mulher do diretor) para interpretar dois papéis chaves na trama. Mas, para compensar, o filme tem excelente fotografia do francês Philippe Rousselot, um ótimo desenho de produção e conta com elenco de apoio dos mais competentes, que tem participações especiais de bons atores como Danny deVito, Steve Buscemi e Jessica Lange.

Talvez não sejam todos que vão sacar e curtir a proposta do filme, mas para aqueles que conseguirem, “Peixe Grande” pode reservar momentos muito tocantes e de rara sensibilidade.

Cotação: * * * ½

Filmes: "Tiros em Columbine"

E O MACACO ESTAVA CERTO...

Documentário explora massacre em escola para mostrar como o medo e a intolerância provocam a morte de mais de 11 mil pessoas por ano nos EUA.

- por André Lux, crítico-spam

Nos momentos finais do clássico anti-belicista “O Planeta dos Macacos”, dirigido por Franklin Schaffner em 1968, o astronauta Taylor (vivido por Charlton Heston) avisa aos seus algozes símios que não devem tentar segui-lo, pois ele sabe manejar seu rifle muito bem. “Tenho certeza disso...”, replica ironicamente o macaco cientista em alusão ao fato de os seres humanos terem praticamente causado sua própria extinção com suas armas de destruição, séculos atrás. Pois bem. O mesmo Heston, cujo currículo inclui outros filmes que também pregavam contra o racismo e a intolerância (como “Bem-Hur” e “OS Dez Mandamentos”), acaba sendo de certa forma o “astro” do documentário “Tiros em Columbine”, que enfoca a obsessão dos estadunidenses por armas e pela violência em geral, tendo como fio condutor o massacre de doze estudantes e um professor provocado por dois adolescentes desajustados em uma escola do Colorado.

Escrito, atuado e dirigido por Michael Moore, um gordo bonachão com cara de nerd que é hoje o crítico mais feroz da extrema direita estadunidense e autor do best-seller "Stupid White Men - Uma Nação de Idiotas", o documentário tenta descobrir de onde vem essa loucura toda que chega a produzir nos EUA mais de 11 mil vitimas fatais de armas de fogo por ano. Um dos alvos principais de Moore é a Associação Nacional de Portadores de Rifles (NRA), cujo presidente era até recentemente o mesmo Charlton Heston, que aparece na fita fazendo discursos que deixariam até Adolf Hitler envergonhado - e justamente nas cidades em que ocorreram as mortes provocadas por jovens armados. “Das minhas mãos frias e mortas” brada selvagemente o ator, em alusão à única condição na qual alguém vai poder retirar seus rifles dele. Um dos momentos mais poderosos do filme é justamente quando Moore consegue entrevistar Heston em sua casa, sequência na qual o “astro” é acuado pelas perguntas incisivas do documentarista a ponto de ser obrigado a fugir apressadamente depois de perceber que não teria como respondê-las sem expor seu ódio e preconceitos repulsivos.

Para tirar o rifle, só "das minhas frias mãos mortas", brada Charlton Heston

Mas Moore vai mais além. Em sua busca por explicações, entrevista pais das vitimas, políticos, estudiosos do assunto, membros de milícias armadas e produtores de shows que exploram a violência urbana (em especial a série COPS). Ninguém é capaz de elucidar o mistério, mas uma pista vem à tona rapidamente: os EUA são uma sociedade controlada pelo medo. E é exatamente o medo (do outro, do desconhecido, de ameaças iminentes inflamadas pela mídia) que gera a paranóia e a busca pelas armas de fogo. A violência, portanto, é apenas conseqüência disso, assim como o lucro gigantesco da indústria bélica. Não é a toa, portanto, que o filme começa com Moore abrindo uma conta corrente num banco que dá como brinde aos novos correntistas, um rifle carregado! Em outro momento igualmente poderoso, ele leva dois garotos que sobreviveram ao massacre de Columbine (um ficou aleijado para o resto da vida enquanto o outro ainda carrega balas dentro do corpo) à central de vendas da rede Wal-Mart, que foi onde os atiradores carregaram suas armas. Esse ato acaba gerando uma pequena vitória: com medo da reação pública e de possíveis processos, a rede anuncia que vai deixar de vender munição em suas lojas.

O grande mérito do documentário reside no fato de que seu autor não tem medo de ir até as últimas conseqüências, mostrando inclusive a participação do governo estadunidense na propagação desse medo, evidenciada na participação direta em invasões e massacres políticos acontecidas em vários países do mundo. Na seqüência mais irônica e devastadora do filme assistimos, ao som de “What a Wonderful Word” de Louis Armstrong, os vários golpes e guerras patrocinados pelos EUA no mundo todo (inclusive na América do Sul), passando pelo apoio militar e financeiro dado a loucos como Sadam Hussein e Osama Bin Laden e culminando com a destruição das torres do World Trade Center. Na legenda, a revelação mais do que óbvia: “E em 11 de setembro de 2001, Bin Laden usou o treinamento que recebeu da CIA para atacar os próprios EUA”.

Nem é preciso dizer que Michael Moore (mesmo tendo ganhado o Oscar de Melhor Documentário em 2002) é figura odiada nos EUA hoje, ficando ao lado de outros poucos intelectuais de esquerda (como Noam Chomsky e Susan Sontag) que têm coragem de protestar contra o imperialismo sanguinário de seus governantes e contra a mídia corporativa que se presta cada vez mais a fazer o papel de disseminar o medo e a intolerância entre a população daquele país e do resto do mundo.

Alguns acusam Moore de ser somente um sensacionalista que busca o lucro explorando situações trágicas como a que deu título ao filme. Essas pessoas deviam rever filmes como “O Planeta dos Macacos”. Mas, pensando bem, se nem o astro principal foi capaz de entender a mensagem daquele filme, o que dizer então do resto? No final da exibição de “Tiros em Columbine”, sobra apenas a triste constatação de que o macaco estava mesmo certo. E como estava...

Cotação: * * * * *

Filmes: "Cazuza - O Tempo Não Para"

RETRATO BORRADO

Por mais que os diretores tentem aprofundar o personagem, nunca ficamos sabendo direito quem foi Cazuza, o que pensava e de onde tirava suas inspirações artísticas.

- por André Lux, crítico-spam

O defeito básico de “Cazuza - O Tempo não Para” vem do fato do roteiro ter sido baseado num livro escrito pela mãe do cantor. Vejam bem, nada tenho contra a senhora em questão. Pelo contrário, nem mesmo a conheço. O problema é que pais e mães, por mais bem intencionados e presentes que tenham sido, quase nunca conhecem a fundo seus filhos.

E isso é simples de entender, já que a fase mais complexa da vida de qualquer pessoa é a adolescência - onde todos nós vamos ter nossas experiências mais importantes, muitas das quais vão nos marcar para o resto da vida. E é justamente durante essa turbulenta fase que mais nos distanciamos de nossos pais, seja física (morando longe) ou mesmo psicologicamente. O inevitável choque das gerações tem aí seu ponto máximo.

Esse distanciamento natural entre pais e filhos fica mais do que evidente na construção narrativa do filme. Por mais que os diretores Walter Carvalho e Sandra Werneck tentem aprofundar o personagem, nunca ficamos sabendo direito quem foi Cazuza, o que pensava e de onde tirava suas inspirações artísticas.

Essa visão superficial é o que mais incomoda. Ficamos sabendo o suficiente sobre a sua trajetória artística e sobre a sua vida sexual promíscua e recheada de drogas, mas nunca entramos realmente na mente dele a ponto de entender de onde veio a sua poesia e a sua sensibilidade artística. Afinal, não seria esse o ponto mais importante em uma biografia no final das contas? E para chegar a isso não basta colocar meia dúzia de frases de efeito saindo da boca dele ou fotos de Che Guevara na parede de seu quarto, nem mostrá-lo cantando suas músicas de sucesso.

Esses são mistérios que somente seus amigos e parceiros íntimos poderiam ajudar a desvendar. Todavia, apesar de viver cercado de dezenas deles em cena, nenhum tem algo de interessante a dizer e acabam virando meras figurações. Nem mesmo a presença da filha de João Gilberto, Bebel (interpretada por Leandra Leal), que foi uma das melhores amigas de Cazuza, é explorada. Na verdade, quem não sabe disso na vida real jamais vai descobrir pelo filme. O que dizer então de seus amores, suas paixões, suas decepções, suas ideologias? A paixão tórrida do artista por Ney Matogrosso também é simplesmente ignorada.

Enfim, onde estão no filme as pistas que nos levariam a tentar montar o complexo quebra-cabeça que foi a formação do mito Cazuza? Infelizmente em nenhum lugar, exceto em alguns bons diálogos entre ele e o que seria o seu guru Ezequiel Neves (Emilio Neto, caricato demais) e em momentos tocantes na fase final, quando já descobriu estar com AIDS.

Fora isso, o que sobra é um retrato um tanto borrado do que foi a vida do artista visto basicamente pelo prisma moralista da mãe, no qual ele é pintado como um garoto mimado e inconsequente que, na visão dela, destruiu sua vida fazendo loucuras regadas a muita droga e sexo. Nem mesmo os motivos que o levaram a ter tal comportamento autodestrutivo são abordados, embora algumas pistas estejam evidentes (pai ausente, mãe dominadora, falta de limites, etc). Nem mesmo o fato dele ser visivelmente bissexual chega a gerar qualquer tipo de conflito familiar, como se isso fosse normal em nossa sociedade repressora!

Sinceramente, isto é muito pouco para dar vida à biografia Cazuza na tela e acaba deixando-a parecida com muitas outras que existem por aí. E por mais que o ator Daniel de Oliveira se esforce (com sucesso, diga-se de passagem) para incorporar o cantor na tela, ele não tem como segurar o filme todo sozinho.

Certamente Cazuza foi bem mais do que é mostrado. Quem conhece a fundo e gosta da obra do artista vai ter no filme uma ótima oportunidade de ver um registro quase documental de várias fases da vida do ídolo. Para o resto, “Cazuza - O Tempo Não Para” reserva alguns momentos tocantes, uma interpretação formidável de Daniel Oliveira e, infelizmente, nada mais do que um retrato pálido do que poderia ter se tornado hoje um dos maiores compositores de MPB, caso não tivesse o lamentável azar de contrair AIDS e morrer prematuramente aos 32 anos de idade (justamente quando começava a amadurecer e deixar de agir como um menino mimado).

Enfim, o esforço da produção e a intenção do projeto são dignos de elogios, mas o artista retratado obviamente merecia muito mais.

Cotação: * * 1/2

Filmes: "As Aventuras de Tintin"

TINTIN JONES

Em sua ânsia por atingir vários alvos ao mesmo tempo, Spielberg erra todos e não vai satisfazer as crianças nem os adultos fãs de Tintin.

- por André Lux, crítico-spam

“As Aventuras de Tintin” é mais uma amostra da encruzilhada em que se encontra o diretor Steven Spielberg, já apontada por mim na análise de “Cavalo de Guerra”. Admirador confesso dos livros ilustrados criados pelo belga Hergé, Spielberg há muita ansiava levar às telas do cinema as aventuras do garoto jornalista e sua turma.

E, com o auxílio de Peter Jackson (de “O Senhor dos Anéis", outro fã dos quadrinhos), finalmente conseguiu. Só que, inexplicavelmente, Spielberg optou por fazer o filme totalmente em computação gráfica, utilizando aquele manjado recurso de “captura dos movimentos” dos atores, para tentar gerar nas telas um realismo já tentando sem sucesso antes em filmes como “Final Fantasy”.

O problema é que, mesmo encontrando-se em um elevado patamar de avanço tecnológico, a computação gráfica falha miseravelmente ao tentar emular as emoções humanas – principalmente aquelas transmitidas pelos olhos. Não é à toa, portanto, que o pessoal da Pixar e de outras produtoras especializadas em animação gerada por computador sempre escolhe um visual altamente estilizado para seus filmes, principalmente para as figuras humanas (vide “Os Incríveis” e “Procurando Nemo”). Mesmo James Cameron em "Avatar" só usou computação gráfica para personificar os alienígenas (os humanos foram feitos por atores normais).

Assim, “As Aventuras de Tintin” parece clamar o tempo todo por atores em carne e osso para representar os personagens na tela e as tentativas de passar emoção por meio dos bonecos digitais falha fragorosamente (em 3D o filme fica ainda mais artificial). O que sobra então é uma aventura incessante, guiada por um fiapo de roteiro (livremente baseado em vários livros do Tintin), que procura inventar uma nova perseguição ainda mais absurda e barulhenta do que a que acabamos de ver. Por causa disso, o jornalista Tintin (que nos quadrinhos resolve seus problemas muito mais na base da investigação) aqui vira um sub-Indiana Jones, dando murros, tiros e pontapés em seu inimigos e perseguindo em carros, aviões e motos os bandidos. O clímax dessa montanha russa infernal culmina com Tintin numa moto correndo atrás de uma águia nas ruas e céus de uma cidade – no final da correria o protagonista quase exibe poderes de super herói!

Lamentavelmente também, a trilha musical de John Williams demonstra claramente que o grande compositor – já aos 80 anos de idade – esgotou sua criatividade há algum tempo. A música que compôs para “As Aventuras de Tintin”, embora tecnicamente impecável, soa incrivelmente genérica ou reciclada ao emprestar claramente passagens e temas de outras composições suas, principalmente a série “Indiana Jones”, “Hook” e “Harry Potter”.

Mas o que realmente derruba o filme é a sua conclusão, completamente anti-climática e que ainda tenta forçar a barra anunciando uma continuação que nem sabemos se virá (afinal, tudo depende de quanto ele vai lucrar nas bilheterias). O filme se encerra da pior maneira possível, o que é algo vergonhoso se levarmos em conta que se trata de um produto de Steven Spielberg, cineasta que se especializou no início de carreira em terminar suas obras com altas doses de emoção (quem pode esquecer dos finais deslumbrantes de “E.T.” ou de “Contatos Imediatos do 3º Grau”?).

Enfim, em sua ânsia por tentar atingir vários alvos ao mesmo tempo, Spielberg acaba errando todos e, acredito, não vai satisfazer totalmente as crianças, que devem se cansar com tanta perseguição e barulho, nem os adultos fãs de Tintin, os quais vão considerar o filme infantil e vazio demais em comparação com a rica obra de Hergé. Mais um tiro na água de Spielberg...

Cotação: * * 1/2

Filmes: "Cavalo de Guerra"

DE RÉDEAS PUXADAS

Filme é mais um tiro na água de um cineasta que revolucionou o cinema, mas agora se tornou um reacionário que sente necessidade de emular filmes dos anos 1950 para tentar gerar alguma conexão com sua plateia.

- por André Lux, crítico-spam

O diretor Steven Spielberg parece ter chegado a uma encruzilhada criativa em sua carreira que o deixa impossibilitado de repetir seus sucessos do passado. Do alto de seus sessenta e tantos anos não consegue mais se comunicar com a juventude atual e seus filmes pretensamente “sérios” não recebem o devido respeito que ele gostaria. Nem mesmo os filmes produzidos e apresentados por ele geram mais qualquer impacto ou relevância (vide o fraco “Cowboys & Aliens”).

Assim, nas últimas décadas, o cineasta tem se entregado a projetos que vão do ridículo (“AI: Inteligência Artificial” e “Minority Report”) ao simplesmente desencontrado (“Munique” e “A Guerra dos Mundos”). Seu novo longa, “Cavalo de Guerra”, situa-se na segunda coluna. Terminada a exibição, fica impossível identificar qual era, afinal, a história que Spielberg queria contar. Era a história do cavalo Joey e sua luta pela sobrevivência? Era a história do menino (o fraco Jeremy Irvine) que criou o cavalo? Seria sobre os horrores da I Guerra Mundial, na qual foram massacrados milhões de equinos por causa das novas táticas e armas de guerra que tornaram as lutas de cavalaria obsoletas? Talvez um conto dramático sobre os problemas familiares e como acontecimentos grandiosos podem influenciá-los para o bem ou para o mal?

Impossível de saber. “Cavalo de Guerra” acaba sendo outro filme de Spielberg totalmente esquizofrênico, que não se decide sobre o que se trata e, pior, é ainda embrulhado como se fosse um filme para a família. Só que mais da metade de sua longa metragem se passa dentro dos campos de batalha imundos e tétricos da I Guerra – e a solução encontrada por Spielberg para não “assustar” as famílias foi retirar qualquer traço de sangue das mortes! Genial.

O filme também tem um grande problema que é a fotografia de Januzs Kaminsky, colaborador fiel de Spielberg desde “A Lista de Schindler”. Seu estilo árido, esmaecido e estourado de filmar não casa com o lado “família” da obra e, obviamente, só funciona durante as sequências de guerra. A música de John Williams sofre com toda esse desencontro e, embora tecnicamente perfeita, também não passa qualquer emoção ao ser meticulosamente “segura pelas rédeas” pelo diretor que, mesmo no final, parece não ter decidido se queria fazer um filme “sério” (leia-se: profundo e contido) ou um filme “família” (leia-se: para se emocionar e chorar).

As únicas poucas sequências de “Cavalo de Guerra” que geram algum tipo de emoção acabam sendo justamente as que se concentram em seus protagonistas equinos. Aí Spielberg, absurdamente, imprime sensibilidades humanas ao cavalo “Joey”, já que ele não só é fiel e elegante, como também não mede esforços para se colocar frente ao perigo para salvar seu amigo (um cavalo negro mais velho)!

A tentativa de criar sentimentalismo entre o garoto e sua família também não funciona. Primeiro porque o relacionamento entre eles carece de profundidade e laços verdadeiros. E segundo porque sua mãe é por demais independente para uma mulher do início do século XX e seu pai tem crises existenciais demasidamente conscientes e profundas para um simples fazendeiro alcóolatra.

Spielberg imita a estética de “E O Vento Levou...” para encerrar seu filme, porém não consegue reproduzir nada da emoção e do arrebatamento daquela obra, ficando no ar apenas um gosto de café requentado e aguado demais. No final, “Cavalo de Guerra” é somente mais um tiro na água desse cineasta que, no início de carreira, revolucionou o cinema com suas aventuras e dramas infantis palpitantes, mas que agora se tornou, quem diria, um reacionário que sente necessidade de emular filmes dos anos 1950 para tentar gerar algum tipo de conexão com sua plateia. Chega a ser triste isso.

Cotação: * * 1/2

Filmes: "Conan, O Bárbaro" (2011)

CONAN, O GROTESCO

Nada me preparou para esse que deve ser um dos piores filmes já feitos na história do cinema!

- por André Lux, crítico-spam

Sinceramente, eu não esperava muito desse novo “Conan, O Bárbaro”, mas nada me preparou para esse que deve ser um dos piores filmes já feitos na história do cinema! O original, de 1982 dirigido por John Millius e estrelado por Arnold Schwarzenneger tem muitos detratores, porém virou cult com o passar dos anos, é bem feito e tem algumas das melhores lutas de espada do cinema - sem falar é claro da trilha musical espetacular de Basil Poledouris.

Agora, essa nova versão... acho que o melhor termo para qualificá-la seria “aberração”. É difícil falar o que é pior no filme. Os atores são simplesmente ridículos, a começar pelo “astro” Jason Momoa que parece uma mistura de surfista idiota com vilão de filme mexicano que passa o filme todo fazendo caretas dignas de quem está com diarréia das bravas. Nem o sempre competente Ron Pearlman (de “Hellboy”) sobrevive ao massacre de ruindade, ainda mais com o penteado que o obrigaram a usar que o deixa parecido com o Véio do Rio que virou mendigo. Por sinal, quase todos os personagens do filme parecem gritar “joguem shampoo na minha cabeça” de tão nojentos que são!

Conan: "Porra, meu pai é o Véio do Rio mendigo!"

A direção de arte do filme é simplesmente grotesca, pior que desfile de escola de samba de Pindamonhangaba. Os diálogos são canhestros e parecem que foram escritos por um débil mental, o mesmo podendo ser dito da história que é simplesmente risível. Que porcaria é aquela de ter que juntar os pedaços de uma máscara que foi quebrada há trocentos anos para virar o bruxo mais poderoso do pedaço? Por que os panacas guardaram os pedaços da tal máscara do mal se, já que ela quebrou mesmo, bastava esmigalhar tudo e jogar o resto no fogo? Se é pra imitar “O Senhor dos Anéis” pelo menos façam direito, né?

O que mais enoja nesse “Conan, O Bárbaro”, todavia, é a violência gratuita e intolerável. Para você ter uma ideia do nível do negócio, o “herói” do filme quando criança decepa o nariz de um dos ajudantes do vilão e, anos mais tarde ao reencontrá-lo, simplesmente enfia o dedo no buraco na cara do sujeito para obrigá-lo a dar informações! Deveria se chamar “Conan, o Grotesco”, isso sim! E que tosqueira é aquela de mostrar o Conan com não mais do que 10 anos de idade trucidando um bando de bárbaros que mais parecem orcs? Se o cara faz aquilo tudo quando criança, ao crescer vai virar o super-homem, no mínimo! Que suspense, aventura ou drama alguém espera gerar numa filme com esse tipo de “arco”? Nenhum, é claro.

"Conan, quero que conheça o meu cabeleireiro. É um luxo!"

Vou te dizer, foi difícil assistir a esse lixo até o fim. Só recomendo para masoquistas ou então para idiotas desmiolados que não entendem nada de cinema. Nem como trash funciona, pois é tão nojento e desagradável que não dá nem pra rir daquilo tudo. Só mesmo um bando de dementes degenerados para produzir e, pior, lançar um filme como esse nos cinemas! E os caras ainda tem coragem de dizer que essa bosta é "mais fiel aos quadrinhos originais de Robert E. Howard"... só se for nas cabeças cheias de merda deles! E tenho dito!

Cotação: ZERO