Filme: "HOMEM-ARANHA 3"

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VENCIDO PELO EXCESSO

Terceiro filme da série do Homem-Aranha peca pelo exagero e decepciona

- por André Lux, crítico-spam

Depois de um primeiro filme fraco, o segundo da série do Homem-Aranha conseguiu atingir um quase perfeito equilíbrio entre aventura, comédia e drama, tornando-o uma das melhores adaptações de quadrinhos para as telas do cinema. Infelizmente, como quase sempre acontece em Hollywood, a receita desandou e esse terceiro capítulo é uma decepção.

Fica claro que o diretor Sam Raimi, também co-autor do roteiro, tentou pegar todos os elementos que fizeram do segundo filme um sucesso e aproveita-los ao máximo. Só que exagerou demais na dose. Então, o que antes era dramático e emocionante, agora virou piegas e o que era engraçado, ficou constrangedor. Os atores estão todos caricatos (especialmente Tobey Maguire que parece catatônico), há um excesso de personagens e vilões (nada menos do que três!) e o filme se arrasta na tentativa de unir sem sucesso todas as tramas e sub-tramas, ao ponto de parecer interminável.

As cenas de ação e perseguição também são excessivas e redundantes, quase sempre resolvidas em efeitos digitais óbvios. Chegou uma hora em que eu não agüentava mais ver tanta gente sendo lançada pro ar, caindo e batendo a cabeça em vigas e canos – e olha que ainda estávamos na metade da projeção!

O ponto mais baixo do filme é, sem dúvida, o incrível número de coincidências e situações inverossímeis contidas no roteiro. E veja que não estou falando do fato do ladrão que vira homem-areia, ou do alienígena malvado que se transfigura na roupa do herói, nem do novo Duende Verde que parece ser indestrutível. Não, estou me referindo a coisas ridículas como: Mary Jane ser sumariamente demitida do seu show na Broadway ao receber críticas negativas depois de uma única apresentação, o alienígena cair no parque bem no pé do protagonista, o mordomo que revela uma informação crucial que poderia ter evitado muitas desgraças só no último momento, o Aranha salvar a mocinha que é filha do comissário de polícia, sua colega de classe e namorada do novo fotógrafo do Clarim Diário, o qual quer roubar sua vaga no jornal e, de quebra, estava no mesmo lugar em que o protagonista lutava contra seu uniforme-vilão só para ser possuído por ele e virar o monstro Venom! Não há “suspensão de descrença” que resista a tanta besteira junta...

O único ponto positivo desse terceiro filme deve-se à saída do péssimo Danny Elfman da composição da trilha musical, sendo substituído pelo mais competente Christopher Young (de “Hellraiser”, “A Mosca 2” e “A Metade Negra”) que melhora o nível da partitura, embora infelizmente seja obrigado a recorrer toda hora ao irritante tema que Elfman compôs para o herói nos dois primeiros Homem-Aranha.

Mas é só e tirando algumas piadinhas mais divertidas (a melhor é a do restaurante francês que conta com a participação de Bruce Campbell, o Ash da série "Evil Dead"), o resto do filme é cansativo e, de quebra, ainda somos obrigado a aturar aquela bendita cena em que o herói desfila em frente à tremulante bandeira dos EUA. Desse jeito não há super-herói que resista mesmo...

Cotação: * *
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Humor: Divirta-se com alguns quadros do Monty Python!

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Vários sketches (quadros) do programa de TV do extinto grupo inglês Monty Python estão disponíveis no Youtube, legendados em português!

Selecionei algumas que gosto demais, mas procure pois existem muitas outras:

NO RESTAURANTE

O PAPAGAIO MORTO

A PIADA MAIS ENGRAÇADA DO MUNDO (Essa é de chorar de rir!)

O MINISTÉRIO DOS ANDARES IDIOTAS

A CLÍNICA PARA DISCUSSÃO

Olha o que os nerds malucos fizeram com essa hilariante cena de luta de "O Cálice Sagrado":

CAVALEIRO NEGRO, VERSÃO STAR WARS!


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Filme: “Sunshine – Alerta Solar”

*ATENÇÃO! A crítica abaixo entrega o filme inteiro. Leia por sua conta e risco...

GATO POR LEBRE

Diretor pretensioso tenta disfarçar filminho de terror usando narrativa lenta, citações a filmes clássicos e papo-furado metafísico

- por André Lux, crítico-spam

Não existe nada mais irritante do que comprar gato por lebre. É o caso desse “Sunshine – Alerta Solar”, filme que se vende como uma ficção científica séria e profunda, mas não passa de um suspense banal repleto de furos e clichês. 

E o diretor Danny Boyle (que a cada dia comprova que só acertou em seu primeiro filme “Cova Rasa”), como todo bom pretensioso, tenta enganar os incautos injetando várias citações a filmes clássicos como “2001 – Uma Odisséia no Espaço” e “Solaris”. Mas elas não têm nada a ver com a trama e só servem mesmo para iludir aquele pessoal que acha o máximo ficar identificando referências a outros filmes. Só isso mesmo para justificar as boas críticas que vem recebendo.

Mas não vi ninguém apontando para o mais óbvio: trata-se apenas de um “Armageddon” metido a besta. A história é basicamente a mesma – só que aqui traz um grupo de especialistas que precisa detonar uma bomba atômica gigantesca no Sol para tentar fazê-lo voltar a queimar com a mesma intensidade. E dá-lhe clichês do gênero: o comandante sorumbático, o físico nerd, o piloto nervosinho e machão, o psicólogo doidão, a botânica zen e assim por diante. E os atores que os interpretam são muito jovens e sem carisma. Será mesmo que a humanidade iria depositar suas últimas esperanças de sobrevivência num grupo formado, em sua maioria, por garotões que parecem ter acabado de sair da faculdade?

As reviravoltas e os desastres descritos no roteiro são forçados e parecem existir apenas para mover a trama. Afinal, por que iriam desviar a rota só para tentar pegar a bomba da primeira missão, dada como perdida há sete anos, se sabiam que só seria possível detoná-la se a primeira nave estivesse em perfeito estado operacional? E quer dizer então que a complicada operação de mudança de curso e alinhamento do escudo é responsabilidade de uma única pessoa, ninguém nem dá uma revisada para ver se estava tudo certo?

E os personagens? Em cada situação ganham ou deixam de ter importância: numa hora o físico (feito pelo inexpressivo Cillian Murphy) é mandado para um trabalho quase suicida fora da nave, enquanto em outra tem que ser salvo ao custo da vida de todos os outros. Mas, infernal mesmo é o vilão do filme, que ficou perambulando nada menos do que sete anos na nave abandonada cheio de queimaduras e pingando sangue, provavelmente se alimentando de cenouras, só esperando a chance de pular para outra nave e sair matando de novo!

E o maior furo de todos, que ao que parece ninguém se deu conta, é o fato deles ficarem falando de como vão voltar para a Terra depois de lançar a bomba (tem até um jardim interno que supostamente deve servir para reciclar o ar para a jornada de volta), sendo que a única coisa que impede a nave de ser destruída na hora pelo raios solares é justamente o escudo de espelhos que envolve a bomba! Ou seja, assim que ela fosse lançada e se afastasse, bye-bye nave e todo o resto...

Mas isso não é o pior. Depois de construir uma narrativa lenta e letárgica, enfatizada pela trilha sonora tipo “new age”, e de inserir papo-furado metafísico e flertar com o sobrenatural, o diretor transforma “Sunshine” num daqueles filminhos de terror mais batidos, com direito a psicopatas deformados dando facadas e perseguindo mocinhas indefesas por túneis escuros. 

É nesse último ato que toda pretensão de seriedade e verossimilhança é destruída em favor de sustos fáceis e cenas de ação tediosas, filmadas com lentes de distorção e editadas em ritmo de vídeo-clipe.

Aí, de “2001” e “Solaris”, as referências pulam para “O Enigma do Horizonte” e “Jason X” – o que não é nem de longe um elogio. Mas, justiça seja feita: esses dois últimos filmes ao menos assumiam de cara a condição de “terror no espaço” e não tentavam enganar o espectador fingindo ser o que não eram.

Cotação: * 1/2 (mais meia estrela porque hoje eu estou de bom humor)
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Filmes: "Falcão Negro em Perigo"

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SURRA INACREDITÁVEL

Mesmo deturpando fatos históricos e pregando a favor da intervenção militar, filme mostra o exército dos EUA levando um espetacular "chute no traseiro"!

- por André Lux, crítico-spam

A expressão "lets kick some ass" é hoje uma das mais populares entre os estadunidenses. Não é a toa que a frase é dita logo de cara em “Falcão Negro Em Perigo” por um soldado recém-chegado ao front, louco que está para entrar em ação. 

Essa obsessão dos estadunidenses por "chutar traseiros" alheios é a base da cultura deles e chegou atualmente às raias do absurdo. Não é de se estranhar, portanto, que os executivos de Hollywood, alinhados com as políticas e estratégias do Pentágono, coloquem cada vez mais seus investimentos em filmes panfletários que pregam a favor da intervenção estadunidense em território estrangeiro. 

Tudo em nome de uma suposta "paz" e "ordem", como somos informados logo no início deste filme por um longo letreiro que tenta deturpar fatos históricos para justificar a presença do exército do Tio Sam na Somália.

Segundo os realizadores, os EUA estavam lá somente para garantir que os pobres somalis pudessem receber os alimentos cedidos gentilmente pela ONU e que estavam sendo roubados pelos guerrilheiros locais, liderados por Mohamed Farrah Adid, pintado como um monstro sanguinário e responsável pela morte por inanição de mais de 300 mil civis. 

Tem que ser muito ingênuo ou mal intencionado para querer nos fazer acreditar que os EUA invadem outros países (sempre do terceiro mundo) com boas intenções, já que situações de genocídio como essa que ocorreu na Somália são patrocinadas em larga escala pelo próprio governo estadunidense. Seja por meio de sanções econômicas ou pelo financiamento das milícias de direita que, geralmente, são as responsáveis pela tortura e assassinato dos civis.

A justificativa para essa política intervencionista está presente em diálogos pavorosos como o proferido por um dos soldados "idealistas" do Tio Sam (Josh Hartnett, tão expressivo quanto uma escultura de pedra): "Eles não tem educação, não tem esperança, não tem futuro", - só faltou dizer que não têm DVD nem internet! Ou seja: "Cidadãos do terceiro mundo não são como nós, a raça superior, por isso necessitam da nossa proteção e da nossa doutrina". Adolf Hitler ficaria orgulhoso!

“Falcão Negro Em Perigo” foi dirigido por Ridley Scott, cineasta que um dia foi capaz de nos brindar com gemas como “Blade Runner” e “Alien”, mas que hoje optou por colocar seu talento técnico ao serviço de produções execráveis como “Gladiador”. Dessa vez uniu forças com o produtor de filmes-clipes Jerry Bruckenheimer, responsável por pérolas fascistas como “Top Gun” e “Pearl Harbor”.

Isso quer dizer que temos aqui mais um exemplar de técnica espetacular usada para contar uma historinha torpe e reacionária da pior espécie. Tudo isso embalado por altas doses de tiros, explosões, sangue e efeitos especiais que pipocam na tela a cada cinco segundos como que para não dar tempo para o espectador pensar nos horrores que está vendo. Vira tudo um mero "entretenimento" no final.

Como parte do pacote ideológico vendido pelo filme, os somalis são mostrados somente como um bando de pessoas sujas e maltrapilhas sem face (em algumas tomadas chegam até a parecer extraterrestres!), cuja única função na trama é servirem de alvo para os desesperados Rangers. 

Não ficamos sabendo em nenhum momento o que levou aquele povo a atacar os "golden boys" do exército dos EUA com tamanha ferocidade. O roteiro até faz de conta que vai dar uma dica durante a cena em que um dos pilotos capturado pelos guerrilheiros é informado que não são bem-vindos e que matar seu líder de nada iria adiantar, pois na Somália as coisas são diferentes. 

Pena que esse discurso sai da boca de mais um personagem "imundo e maltrapilho", obviamente vilão, o que impede a platéia de, sequer, levar em consideração o que ele está dizendo.

O que causa mais estranhamento nesse “Falcão Negro Em Perigo”, entretanto, é perceber que, mesmo fazendo a panfletagem a favor do imperialismo dos EUA, os executivos gastaram rios de dinheiro para mostrar, basicamente, o supostamente invencível exército do Tio Sam levando uma surra inacreditável dos próprios "magrelos" (termo pejorativo pelo qual eles chamavam os somalis) que deveriam salvar. A exemplo que ocorreu no Vietnam e agora no Iraque, esse é mais um caso de "chute no traseiro" que saiu pela culatra para os estadunidenses!

No final, somos informados por um pequeno letreiro que morreram mais de mil somalis durante a ofensiva para apenas 19 estadunidenses - cujos nomes são estampados gloriosamente na tela, um por um. Pelos cálculos dos produtores, a vida de um "americano" equivale à 52,6 vidas africanas! 

E, como sempre, tentam colocar a culpa do fracasso e das mortes em uma única pessoa – no caso, o general que planejou a ofensiva, - numa tentativa torpe de eximir da responsabilidade o sistema como um todo, quando a ingenuidade dos soldados (em sua maioria jovens desmiolados que passaram por "lavagem cerebral") e a canalhice dos governantes são as verdadeiras causas de carnificinas como a mostrada no filme.

Impressiona também a insistência na mensagem que "não vão deixar ninguém para trás", como se fazer parte do exército estadunidense fosse a coisa mais nobre do mundo, pois sempre vai ter alguém disposto a ser herói e sacrificar a vida pelo outro. 

É analisando peças de marketing desse tipo que podemos entender como é que tantos jovens alistam-se livremente no exército daquele país, só para serem mandados para lutar em países que não conhecem guerras que não entendem. 

A verdade é que não existe nada que justifique a intervenção militar em terra alheia e o quanto mais tentam explicar essas ações, pior fica a situação.

A melhor crítica que um filme como esse poderia receber está em “O Sentido da Vida”, do grupo Monty Python, na cena em que um militar empedernido defende a importância do exército em nossas vidas, já que segundo ele, "sem a habilidade para defender seu próprio ponto de vista contra outras ideologias mais agressivas, a racionalidade e a moderação podem desaparecer. É por isso que sempre vamos precisar de um exército. E que Deus me atinja com um raio se eu não estiver certo!"... 

KABUMMMM!!!

Cotação: *
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Filme: "300"

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ESQUERDA OU DIREITA

Filme provoca polêmica e mostra a confusão ideológica em que se encontra o mundo atual

- por André Lux, crítico-spam

Nesses tempos de ditadura do pensamento único neoliberal na mídia, só pode ser bem vinda qualquer obra de arte que provoque algum tipo de polêmica e discussão política. 

Mesmo que seja pelos motivos errados, como é o caso de “300”, filme baseado na graphic novel “Os 300 de Esparta”, do consagrado Frank Miller autor de obras-primas dos quadrinhos como “Ronin”, “Batman: O Cavaleiro das Trevas” e “Elektra Assassina”. 

A polêmica começou quando o governo do Irã acusou o filme de ser favorável ao imperialismo estadunidense e ao presidente Bush por mostrar a luta dos espartanos contra a invasão dos persas. 

Embora o protesto dos iranianos, descendentes dos persas, seja justo – afinal são mostrados no filme de forma extremamente caricatural quase como monstros (puro maniqueísmo de Hollywood) – “300” não é nem um pouco favorável à Bush. Muito pelo contrário. Só mesmo o atual estado de confusão ideológica em que se encontram as pessoas pode justificar esse engano.

Em primeiro lugar, quem afirma isso demonstra não conhecer a obra de Frank Miller, sempre recheada de ataques ácidos às políticas reacionárias da extrema-direita estadunidense. Em “O Cavaleiro das Trevas”, por exemplo, testemunhamos um Batman velho e anarquista dando uma surra no babaca do Superman que atuava como um mero fantoche do governo fascista dos EUA.

Já em “Ronin” era um ex-samurai que reencarnava num paranormal aleijado a fim de derrotar uma futurista megacorporação dominada por uma aliança entre neoliberais e um antigo demônio do Japão feudal. 

Isso não quer dizer que Miller seja um comunista ou mesmo esquerdista - até porque nos EUA essa confusão ideológica é ainda mais acentuada -, mas com certeza não pode ser chamado de alinhado ao pensamento expansionista e fundamentalista que domina seu país nas últimas décadas.

Em segundo lugar, porque na História retratada pelo filme, os 300 espartanos estão lutando exatamente contra um invasor imperialista que comanda com mão de ferro um gigantesco exército. 

Assim, Bush está muito mais para o imperador-deus Xérxes do que para o rei Leônidas e a resistência heróica dos espartanos está mais para a revolução cubana do que para a invasão do Iraque ou do Afeganistão pelos soldados do tio Sam (respeitadas, evidentemente, as realidades históricas nas quais esses eventos e personagens estavam inseridos). 

Ou alguém aí já viu Bush Júnior ou algum presidente dos EUA, a exemplo do que fez Fidel Castro em Cuba, de arma em punho liderando seus compatriotas no meio do campo de batalha? Enfim, julgar “300” como sendo de direita ou de esquerda, a favor ou contra o imperialismo, não passa de uma questão de ideologia e visão de mundo.

Deixando de lado a questão política, o filme em si deixa a desejar. Embora possua cenas muito bonitas e impactantes, erra ao tentar reproduzir de maneira literal as imagens desenhadas nos quadrinhos. 

São linguagens absolutamente diferentes e essa abordagem deixa “300” com jeitão de vídeo-clip: bonito, porém vazio e superficial. O fato de ter sido filmado inteiramente em estúdio contra o famigerado fundo azul, que depois é substituído por imagens geradas em computador, não ajuda.

Padece também de uma narração óbvia que, pecado de nove entre dez adaptações de quadrinhos para o cinema, insiste em descrever o que já vemos na tela e de uma trilha musical inadequada e intrusiva que tenta misturar sem sucesso orquestra e coral com “esguichos” de solos de guitarra, percussão tribal e ritmos techno. 

O elenco repleto de rostos sem carisma não merece destaques, exceto negativos – caso do protagonista Gerald Butler, muito jovem e neutro para dar o peso necessário ao lendário Leônidas, e do brasileiro Rodrigo Santoro, que faz o papel de Xérxes com uma maquiagem de drag queen e ainda por cima teve sua voz alterada digitalmente para soar como um clone do Darth Vader.

Como produto cinematográfico “300” comprova que a utilização de recursos tecnológicos de última geração somente como um fim e não como um meio acrescenta quase nada de novo à sétima arte. 

Já analisando-o pela abordagem política e ideológica tem lá seu mérito – nem que seja só o de provocar polêmica e obrigar as pessoas a pensarem um pouco sobre aquilo que assistem na tela.

Cotação: * * *
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DVD: "A GRANDE ILUSÃO"

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A POLÍTICA COMO ELA É

Os fins justificam os meios? Filme levanta importante questão, mas deixa o espectador chegar às suas próprias conclusões. Não surpreende, portanto, ter sido massacrado pela crítica e fracassado nas bilheterias...

- por André Lux, crítico-spam

Massacrado pelos profissionais da opinião e fracasso nos cinemas, esse “A Grande Ilusão” (título nacional preconceituoso para “All the King’s Men”) é um excelente drama político que traz novamente à luz uma velha questão que sempre provoca discussões acaloradas: afinal, os fins justificam os meios?

O filme é baseado num livro famoso escrito pelo aclamado Robert Penn Warren, que se inspirou em um político real da Luisiana dos anos 1930, Huey Long, ex-governador do estado lembrado até hoje por ter usado a corrompida máquina política para tentar levar conforto e bem estar à população pobre. Assim, construiu estradas, casas, escolas, hospitais e distribuiu livros e material escolar gratuito. Por tudo isso e não por acaso, foi violentamente perseguido pelos representantes da elite, do empresariado e da mídia conservadora local, os quais tentaram, durante todo seu mandato, provocar seu impeachment ou simplesmente derrubá-lo por meio de incessantes acusações de corrupção e fraude. Qualquer semelhança com o que acontece atualmente com qualquer político que não se curve ao status-quo não é mera coincidência...

No livro, Long virou Willie Stark e no filme é representado por Sean Penn. Só que o protagonista da história é, na verdade, um jornalista (Jude Law, discreto) que inicia a história cobrindo a campanha do político e acaba se transformando no seu braço direito depois de eleito. Cabe a ele o papel de “consciência” frente aos acontecimentos que são apresentados sempre de maneira ambígua e polêmica, sem maniqueísmos, “mocinhos” e “bandidos” ou aquelas irritantes explicações didáticas. Tudo e todos no filme são cinzas, nebulosos e passíveis de diversas interpretações - exatamente como acontece no mundo real.

Repleto de frases lapidares e diálogos afiados, “A Grande Ilusão” tem, além do invejável elenco que traz ainda Anthony Hopkins e Kate Winslet, o grande mérito de mostrar que, em política, ninguém faz nada sem sujar as mãos e o que vale mesmo são as intenções. “O bom feito a partir do mal ainda é bom, não é?”, diz Stark para tentar justificar suas ações moralmente duvidosas.

O filme, todavia, não é perfeito. A atuação de Penn é sofrível, exagerada e beira a caricatura já que ele se preocupou mais em imitar (mal) os trejeitos do político no qual o filme se inspira do que em passar as nuances do caráter complexo dele. Além disso, tem uma trilha musical pesada e sufocante composta por James Horner (que ao menos dessa vez não copiou suas partituras antigas) e o roteiro deixa de aprofundar detalhes e personagens que teriam enriquecido mais a trama.

Mas, afinal de contas, os fins justificam os meios? Felizmente, o diretor e roteirista Steven Zaillian não procura responder essa questão, muito menos julgar os personagens. Ao mesmo tempo em que mostra as reais boas intenções do político, não esconde as falhas de caráter nem o comportamento dúbio dele e de todos à sua volta. Isso significa que cada espectador deverá refletir sobre o que viu e tirar suas próprias conclusões, a partir da visão de mundo e ideologia que tem.

Deve ser por isso que recebeu tantas críticas negativas e fracassou. A julgar pelo ridículo nome que inventaram para o filme aqui no Brasil, dá para perceber que concluíram algo como: "político bonzinho é eleito e fica malvado, portanto tudo foi uma grande ilusão". Depois tem gente que acha estranho algo grotesco como Big Brother Brasil fazer tanto sucesso...

Cotação: * * * 1/2
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Leitura recomendada: "Che - Uma Biografia"

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O MITO EM QUADRINHOS

- por André Lux, crítico-spam
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Muito bacana a biografia em quadrinhos do líder revolucionário e ícone da esquerda mundial, Ernesto "Che" Guevara, feita pelo sul-coreano Kim Yong-Hwe.

Ela retrata a vida e a luta de Guevara. Da infância na Argentina à captura e execução em La Higuera, na Bolívia, os eventos que levaram Che Guevara a se transformar no símbolo que é hoje são recontados nos quadrinhos de Kim Yong-Hwe, um dos grandes talentos coreanos da HQ.

O mais legal dessa adaptação é o fato do autor criá-la como se fosse um livro didático, para crianças mesmo, mas sem ser bobo ou infantil. Entre um capítulo e outro da história, ele se dá ao trabalho de fazer um pequeno resumo dos eventos, contextualizar as situações dentro da História e tecer pequenos comentários sobre alguns termos usados no texto, como "imperialismo", por exemplo.

Interessante também o paralelo que Yong-Hwe traça entre Guevara e o personagem Neo, da trilogia "Matrix". Afinal, ambos eram considerados "terroristas" (sic) pelas autoridades e pela mídia corporativa, mesmo lutando pela liberdade e pela igualdade entre as pessoas. Já vi profissionais da opinião dizendo que essa comparação é absurda, mas absurdo mesmo é que mais gente não a tenha feito antes (para vocês verem como tem gente que ainda não entendeu nada do que "Matrix" é feito). Veja abaixo reproduções das páginas que mostram o Neo-Che (clique nas figuras para vê-las em tamanho maior).



A leitura é leve e chega a emocionar em alguns momentos - como quando "Che" encontra uma menina morta depois do ataque de um bombardeiro a um bairro pobre na Guatemala ou quando a população carente de Cuba ajuda os guerrilheiros dando seus alimentos a eles.

Os desenhos são feitos no estilo dos mangas orientais, mas isso não chega a incomodar, pois o autor ao menos tenta adaptá-los à feição de cada personagem.

Obviamente, a turma da direita e seus papagaios de pirata vão malhar a obra dizendo que é pura e simples mitificação de um "baderneiro profissional", enquanto outros vão afirmar que eles não fizeram nada de bom, apenas retiraram um ditador (Fulgêncio Batista) para colocar outro no lugar (Fidel Castro).

Entretanto, para quem tem um mínimo de conhecimento de História (especialmente a cubana) e costuma buscar informações além do que é mostrado (e omitido) pela parcial mídia corporativa, este "Che" é uma pequena jóia que presta uma bonita homenagem a esse ser humano exemplar, o qual continua influenciando corações e mentes mesmo 40 anos depois de seu assassinato na Bolívia, pelas mãos de mercenários financiados pela CIA.

Um trabalho que vale a pena conhecer e disseminar, principalmente entre os mais jovens.

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O produto está à venda no site do Submarino ou na Loja Conrad.

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DVD: "Uma Verdade Inconveniente"

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ESTAMOS FERRADOS!

Documentário comprova que o destino da raça humana está nas mãos dos políticos dos EUA, que são financiados por grupos que querem manter tudo como está.

- por André Lux, crítico-spam

Se você acha que o aquecimento global é só uma invenção de ambientalistas histéricos, melhor rever seus conceitos. O documentário "Uma Verdade Inconveniente", que é o registro de uma longa e bem intencionada palestra do ex-vice-presidente dos EUA Al Gore (aquele que foi derrotado por Bush Júnior na mais fajuta eleição de todos os tempos), demonstra clara e didaticamente os efeitos que a superpopulação, o desmatamento e a emissão de dióxido de carbono estão provocando no ecossistema mundial.

São alterações espantosas que, infelizmente, já começaram a provocar graves conseqüências tais como furacões cada vez mais violentos, derretimento de geleiras, aumento do nível do mar, estações do ano desreguladas, entre muitas outras. Já é possível, por exemplo, prever que mais de 50% da população da Terra vai ter problemas com a falta de água nos próximos anos, causada principalmente com o derretimento das geleiras cuja água é usada para abastecer enormes comunidades.

Contudo, o mais perturbador nessa história toda é descobrirmos que mais de 30% das emissões de CO2 são feitas pelos Estados Unidos, nível superior à soma de tudo que é lançado pela América do Sul, Ásia e Europa. Ou seja, o destino da humanidade está nas mãos dos políticos daquele país.

Não quero soar pessimista, mas vamos ser francos: estamos ferrados! Sim, porque as medidas que podem vir a surtir algum tipo de efeito real sobre o problema dependem quase que totalmente das decisões políticas dos governantes das grandes potências, os quais, como bem sabemos, são financiados e dominados justamente por grupos que querem manter tudo como está.

É óbvio que cada pessoa no planeta pode tomar medidas que ajudem a melhorar o problema e é por aí que sempre vão as campanhas de "conscientização" produzidas pela grande mídia corporativa. Mas, será que você realmente acredita que trocar algumas lâmpadas ou usar menos o seu carro vai fazer grande diferença quando são lançados diariamente na atmosfera cerca de 70 bilhões de toneladas de poluição, a imensa maioria oriunda de grandes fábricas e da queima de plantações, carvão e petróleo? Só para se ter idéia do tamanho da encrenca, o governador da Califórnia, Arnold Schwarzenegger, o "Exterminador do Futuro" em pessoa, tentou aprovar leis que exigem a redução da emissão de CO2 nos carros em seu Estado, mas já está sendo interpelado judicialmente pelas grandes montadoras que não aceitam esse tipo de controle. Seria cômico se não fosse absolutamente trágico!

E isso não é o pior, pois mesmo que sejam tomadas todas as medidas radicais necessárias para minimizar o problema, o ecossistemas do planeta já está de tal forma prejudicado que no máximo vamos impedir que ele se deteriore ainda mais. Para voltar tudo ao normal, só daqui a centenas de anos ou mais.

Como se vê, o sistema capitalista, que visa o lucro acima de tudo e de todos, enfim vai deixar registrado uma impressionante marca para todo o sempre: a destruição do planeta e a extinção da vida nele. E o mais incrível é que nem mesmo seus mais ferrenhos defensores percebem que não vão estar vivos para poder festejar essa conquista "invejável"...

Cotação: * * * *

Filmes: "BORAT"

RINDO DO GROTESCO

Não vejo nada de genial num sujeito que, usando bigodão falso e sotaque esdrúxulo, sai provocando pessoas com frases ofensivas ou promovendo ações escatológicas chocantes

- por André Lux, crítico-spam

Ok, "Borat" é um filme engraçado. Dei muitas risadas durante a projeção. Mas, daí a chamar seu autor de gênio ou achar que é extremamente politizado e quer "desmascarar" o racismo e a intolerância do povo estadunidense, como muitos profissionais da opinião têm feito, já é ir longe demais.

Sinceramente, não vejo nada de genial num sujeito que, usando um bigodão falso e sotaque esdrúxulo, sai por aí provocando as pessoas com frases ofensivas ou promovendo ações escatológicas chocantes (os comediantes do "Casseta & Planeta", quando ainda eram engraçados, cansaram de fazer esse tipo de coisa).

Assim, quando vai "entrevistar" um grupo de feministas, Borat profere comentários chauvinistas e denigre a inteligência das mulheres. Ao entrar numa arena de rodeio, infestada por caipiras preconceituosos e fundamentalistas, ridiculariza os esforços de guerra dos EUA e o hino nacional deles. Quanto se vê "cercado" por judeus, age como pavor e joga dinheiro neles. E assim por diante... Isso quer dizer que seu método de provocar risos é primitivo, embora eficaz, afinal todo mundo gosta de ver os outros sofrendo "pegadinhas" e sendo vítima de discursos nada politicamente corretos. Ou seja, qualquer criança de seis anos de idade já está acostumada a fazer esse tipo de coisa com seus amiguinhos. Que garoto nunca teve suas cuecas puxadas para cima da calça no meio de uma festa, por exemplo? Todo mundo ri, menos a vítima da piada.

É partindo desse princípio humorístico que Sacha Baron Cohen concebe seus quadros, ligados por um fiapo de história que o tira de sua terra natal, o Cazaquistão (que logicamente é retratado de maneira extremamente ofensiva e nada tem a ver com o país real), para os EUA, a fim de "aprender com a cultura" daquele país. Infelizmente, o filme peca por tentar esconder que quase tudo aquilo que vemos na tela foi combinado previamente. E, mesmo quando algo acontece supostamente de maneira imprevisível (como o jantar, a entrevista da TV ou o rodeio), fica sempre a impressão de engodo, pois nunca somos informados sobre como Borat conseguiu chegar lá. As pessoas sabiam que se tratava de um comediante fazendo um filme ou achavam que ele era realmente um jornalista do Cazaquistão em visita pela América? Essa interrogação paira sobre quase todo o filme e acaba desviando o foco da atenção.

Além disso, o ator não sabe tirar proveito máximo de seu personagem, caindo muitas vezes para o exagero e para a afetação, quando a situação exigia uma atuação mais fria e séria justamente para servir de contraponto à bizarrice que ocorre à sua volta.

Sacha, evidentemente, não é John Cleese, muitos menos Peter Sellers, cujas inacreditáveis caras-de-pau transformavam sketchs muitas vezes banais em clássicos da comédia, seja nos shows do grupo Monty Python ou nos filmes da "Pantera Cor de Rosa", respectivamente.

Quando eu tinha uns 16 anos e morava com um primo sarrista, tivemos a grande idéia de dublar filmes. Para tanto, escolhíamos uma cena, definíamos quem dublava quem e pronto, saíamos falando no gravador qualquer asneira que viesse à mente. Nem preciso dizer que chegamos a literalmente chorar de rir quando ouvíamos as pérolas que saíam no meio daquela histeria toda. Imagino que se eu embalar tudo aquilo num formato "pretensioso" e soltar na internet, vai ter muita gente entoando loas à nossa "genialidade em lapidar frases e piadas em cima de filmes clássicos". Se bobear, somos até indicados ao Oscar de melhor roteiro original...

Menos, por favor, menos. Rir de besteiras e cenas grotescas, tudo bem. Agora, querer enxergar genialidade e politização nesse tipo de humor rasteiro e primário já é demais, não? Fala sério...

Cotação: * * *

Homenagem a um gênio da música: BRAVO, ENNIO!

Emocionante. Essa é a melhor palavra para descrever o que senti ao ver o grande Ennio Morricone finalmente recebendo seu mais do que merecido Oscar - só que pelo conjunto de sua carreira. Para ser bem sincero, foi a única coisa que prestou naquela chatíssima cerimônia na qual desfilam as celebridades da indústria cinematográfica estadunidense, muitas delas em vestidos que mais parecem cortinas de bordel ou embalagens de bombons...

Enfim, adorei ver Morricone, que já compôs mais de 400 trilhas para o cinema, agradecer pelo prêmio em italiano, dando assim uma banana para os imperialistas que, fossem mais inteligentes, já teriam dado dezenas de Oscars para o genial compositor, autor de algumas das mais importantes e maravilhosas trilhas sonoras - entre as quais destaco minhas favoritas: "A Missão", "Os Intocáveis", "Era Uma Vez na América", "Cinema Paradiso", "Era Uma Vez no Oeste", "Quando Explode a Vingança", "Uma Simples Formalidade", "A Lenda do Pianista do Oceano", "O Bom, O Mau e O Feio", "O Enigma de Outro Mundo", "Orca" e tantas outras...

Essa semana foi especial para mim, pois não apenas pude ver Morricone falando ao vivo pela primeira vez, como acabei de receber meu CD duplo da trilha de "Quando Explode a Vingança" - também conhecido como "Duck, You Sucker!", "Giu La Testa", "A Fistfull of Dynamite" ou "Era Uma Vez na Revolução" (título francês) -, penúltimo filme do genial cineasta Sergio Leone.

Além disso, encontrei um DVD excelente numa dessas megastores, "Morricone conducts Morricone", que é a gravação de um concerto regido pelo compositor realizado na Alemanha com orquestra completa, coral e solistas. As perfomances de "Era Uma Vez na América", "Cinema Paradiso", "A Missão", "Pecados de Guerra" e das trilhas dos filmes de Sergio Leone fizeram eu e minha esposa chorar de emoção!

Fiquei muito feliz também por saber que o concerto que Morricone apresentou na ONU há algumas semanas, chamado de "As Vozes do Silêncio", era uma cantata pela paz escrita logo após o 11 de Setembro, mas “dedicada às vítimas silenciosas de tantas tragédias com menor visibilidade”. Por alguns instantes, fiquei com medo que ele havia se rendido ao politicamente correto e à hipocrisia, igual àqueles que só são capazes de fazer homenagens a vítimas de tragédias ocorridas entre a elite mundial.

Felizmente, Morricone demonstrou que sua inteligência também está a serviço das causas políticas e sociais.

Bravo, Ennio!

Abaixo, a homenagem que o jornalista Mino Carta prestou a Morricone em seu blog:

O digno Morricone

"Às vezes me alegro pela minha origem italiana. Disse às vezes, e sublinho. Por que, por exemplo, posso pensar em Berlusconi, em Andreotti (um dos maiores tartufos do século passado), nem se fale de Mussolini e da Praça Veneza apinhada de camisas pretas. Etc., etc. Tenho, neste momento, o consolo oferecido por Ennio Morricone, velho e grande músico, o do seu comportamento na hora de receber o Oscar. Digno, composto, comovido na medida certa. Não se esforçou para falar na língua do lugar, usou a dele, com Clint Eastwood, o ator dos spaghetti westerns musicados por Morricone, a funcionar como intérprete, este Clint merecedor de prêmio bem mais que Scorsese, outro italiano que não me convence. Acompanhava-o a mulher, trajada como convém a uma velha dama, ao contrário de muitas no auditório. E dedicou o seu Oscar a todos aqueles que não o receberam, embora fizessem jus à estatueta. Em compensação, a ganharam Titanic e O Gladiador, para falar de eventos recentes."

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Filmes:"ROCKY BALBOA"

TRISTE FIM

Decadência do ex-garoto propaganda do imperialismo dos EUA transforma despedida do "Garanhão Italiano" num show deprimente

- por André Lux, crítico-spam

É um pouco chocante testemunhar nas telas a decadência, tanto física quanto artística, do canastrão Sylvester Stallone. O ex-fortão, que outrora foi um dos mais orgulhosos garotos-propaganda das políticas imperialistas de extrema-direita dos EUA nos cinemas, transformou-se hoje em um sessentão perdido e esquecido.

Sem muitas opções para tentar recuperar o velho prestígio e os dólares, resolveu ressuscitar o personagem do boxeador Rocky Balboa, que lhe rendeu um inacreditável Oscar de melhor filme em 1976 (para você ver como devemos levar a sério esse tipo de premiação da indústria cinematográfica estadunidense), dividendos generosos e uma série com cinco filmes progressivamente piores.

Nessa suposta despedida do “Garanhão Italiano” (nunca diga nunca em Hollywood, que ninguém fique surpreso se amanhã aparecer um "Rocky no Espaço"...), Stallone não tem muito o que fazer, exceto passar metade do filme repetindo o mote do bobo-bonzinho que deu o tom aos dois primeiros filmes da série - isso antes de Rocky virar o “Rambo dos Ringues” na parte III e IV, aonde ele chega a desbancar, enrolado na bandeira dos EUA, um monstruoso boxeador comunista, cujas cenas em que devorava criancinhas certamente foram cortadas na última hora.

Já na parte final, repete as manjadas seqüências de treinamento e da luta propriamente dita, agora contra o atual campeão mundial de pesos-pesados (30 anos mais jovem), que é interpretado por um sujeito franzino e sem graça, que de peso-pesado não tem nada. De tão inverossímil, tudo acaba ficando até desfrutável. Ao menos a música do veterano Bill Conti continua empolgante, embora reciclada.

Stallone sabe como manipular sua platéia, injetando altas doses de sacarose (nas lamentações à esposa morta e no seu indefectível olhar de peixe-morto) e de frases feitas dignas do que existe de pior na literatura de auto-ajuda (principalmente no relacionamento entre pai e filho) que seriam intragáveis, não fosse a sua sinceridade macarrônica - o ator/diretor/roteirista realmente tem fé naquilo tudo, coitado!

Mas acima de qualquer outra coisa, impressiona e deprime a presença física do ator, completamente deformado e inchado (provavelmente pelo excesso de anabolizantes ingeridos durante sua vida), o que acaba transformando “Rocky Balboa” num show triste e melancólico, de fim de carreira mesmo - no pior sentido que o termo possa significar. Chegou a me provocar lágrimas, confesso. Afinal, em tempos de alienação e ignorância, eu também torcia empolgado pela vitória dos Rambos e Rockys da vida em favor do "american way of life"...

Felizmente, hoje em dia essa ladainha não convence mais ninguém. Sem dúvida, um triste fim.

Cotação: * * 1/2

Filmes: "Filhos da Esperança"

O ÚLTIMO QUE MORRER
APAGUE A LUZ

Apesar dos defeitos, obra de Cuarón vale pelo paralelo direto que traça entre o futuro devastado do filme e a realidade atual.

- por André Lux

“Os Filhos da Esperança” nada mais é do que uma cópia do filme “É Proibido Procriar” (“Zero Population Growth”, com Oliver Reed e Geraldine Chaplin), que a gente assistia quando criança na TV Record no fim dos anos 1970. O enredo é basicamente o mesmo (até os finais dos filmes são idênticos), a única diferença é que aqui a humanidade ficou misteriosamente estéril enquanto no de 1972 era o governo fascista que proibia a reprodução, alegando que a Terra já estava super-povoada e com seu meio ambiente destruído.

Mas isso não impediu o diretor mexicano Alfonso Cuarón (de “E Sua Mãe Também”) de realizar um bom trabalho, bastante tenso e com algumas cenas emocionantes. O problema é mesmo o roteiro, que não faz muito sentido e é cheio de clichês (como traições tolas, grupos políticos primários e personagens que só servem para explicar a trama). Parece que o cineasta estava ciente disso e, ao invés de se concentrar no óbvio, preferiu criar seqüências que traçam um paralelo direto entre o futuro devastado do filme e a realidade atual.

A chegada dos refugiados aos campos de concentração, por exemplo, é uma cópia perfeita das imagens das torturas realizadas pelo exército do EUA no Iraque e em Guantanamo. Assim como toda a cena final de perseguição e tiroteios, que nos leva para um cenário de desumanidade idêntico ao que acontece hoje no Iraque, na Palestina ou no Líbano.

É tragicômica a seqüência em que soldados e guerrilheiros paralisam o conflito quando os protagonistas revelam sua preciosa carga, a qual no fundo é a razão para todo o ódio, só para retomarem a selvageria em seguida, como se nem lembrassem mais porque lutam. Como se vê, uma perfeita parábola das guerras atuais.

O filme também é valorizado pela fotografia de Emmanuel Lubezki, que utiliza bem o recurso de câmera na mão, e pelas boas atuações do elenco, principalmente Michael Caine, que está impagável no papel de um velho ativista de esquerda que não perde a chance de pregar a famosa peça do “puxe meu dedo” em quem cruzar seu caminho, mesmo que traga conseqüências trágicas para ele.

Para os mais atentos, “Filhos da Esperança” também tem outros achados, como a reprodução da capa do disco “Animals”, do Pink Floyd, filmado na mesma estação de energia Batterseas usada na foto original (com direito a porco flutuante e tudo), além de diversos recortes de jornal que indicam que o planeta havia sido varrido por conflitos nucleares. Intervenções irônicas vindas do rádio (“essa música é de 2003, época em que os seres humanos insistiam em não perceber que o futuro começaria amanhã”) ou de pichações nas ruas (“o último que morrer, por favor, apague a luz”) também ajudam a enriquecer a obra.

Por tudo isso o filme merece ser visto e discutido, embora tenha um apelo limitado já que as suas pretensões certamente vão passar em branco na cabeça de quem só entra no cinema para passar o tempo. O que, sabemos, é a intenção da grande maioria das pessoas que lotam as salas dos multiplex...

Cotação: * * *

Filmes: "O LABIRINTO DO FAUNO"

AGORA, SEM DESCULPA

Qualidades da produção não conseguem esconder falta de profundidade dos personagens, excesso de violência, nojeiras e outros erros que o diretor Guillermo del Toro cometeu também em Hollywood

- por André Lux, ex-crítico-spam

É interessante como alguns cineastas ganham fama por um suposto talento atrás das câmeras que acaba nunca se materializando nos seus filmes. O mexicano Guillermo del Toro é um desses casos. Depois de uma curta carreira em seu país de origem, migrou para Hollywood cheio de moral e realizou alguns filmes que eram basicamente combinações de terror com história em quadrinhos (“Mutação”, “Blade 2” e “Hellboy”). Apesar de ficarem um pouco acima da média geral desse tipo de produção, possuíam falhas e exageros que prejudicavam o resultado final. Mas, a culpa disso era sempre colocada nos estúdios, que forçavam o diretor a apelar para excessos em detrimento do desenvolvimento e aprofundamento dos personagens.

Entra “O Labirinto do Fauno”, filme pessoal e independente do cineasta, realizado com o apoio de uma equipe formada totalmente por profissionais de sua confiança e sem interferência de executivos gananciosos. Teria tudo, portanto, para ser a sua obra redentora. Mas, que decepção, todos os erros e exageros cometidos nos filmes estadunidenses também estão presentes aqui: excesso de violência gráfica, insistência em filmar melecas e outras nojeiras e, maior dos pecados, falta de aprofundamento dos protagonistas.

É uma pena, pois a premissa inicial é muito interessante e poderia ter rendido um excelente conto de fadas gótico, realmente rico e repleto de nuances psicológicos. Sem dizer que o filme tem um desenho de produção primoroso, fotografia caprichada e uma trilha musical excepcional de Javier Navarrete (fiquem de olho, pois a exemplo de outros compositores estrangeiros, como Gustavo Santaolala, certamente vai fazer carreira em Hollywood, atualmente infestada por músicos horrendos). Infelizmente, tudo está a serviço de um roteiro capenga, que tenta misturar sem sucesso os delírios de uma menina carente com o drama de um pequeno grupo de guerrilheiros na Espanha fascista dos anos 1940, dominada pela ditadura sanguinária do general Franco. As duas aproximações nunca combinam, até porque as realidades tratadas não se cruzam.

Faltou ao diretor e roteirista tato para criar situações que humanizassem os personagens principais, que no final das contas ficam reduzidos a meras caricaturas sem profundidade e, por isso, se tornam desinteressantes à medida que a trama avança. O caso mais grave é o do capitão fascista, cuja loucura nunca é justificada, deixando o ator Sergi López livre para super-representar. Com isso, as cenas de torturas e de violência extrema proporcionadas por ele chocam só por serem explicitamente grotescas e repulsivas – o ponto mais baixo do filme dá-se quando ele costura a própria boca sem anestesia, coisa que nem o próprio Rambo fez sem sentir alguma dor! Sem dizer que uma guerrilheira jamais o deixaria escapar vivo de uma situação daquelas.

Outro erro foi não justificar direito os devaneios da menina, interpretada pela fraca Ivana Baquero. Ela já começa o filme vendo fadas, destruindo a vontade do cineasta de mostrar o mundo dos sonhos dela como sendo uma fuga da realidade brutal que a cerca. Se tivesse começado a inserir a parte irreal a partir, por exemplo, do momento que os problemas com sua mãe começam a acontecer, teria sido mais coerente com a proposta inicial. No final, o único personagem mais humano do filme é o médico do capitão que também ajuda os rebeldes. Seus conflitos e medos são o que existe de mais palpável, ao ponto de fazer a gente se lamentar quando sai de cena prematuramente.

Tenho visto alguns profissionais da opinião entoando loas ao filme, chamando-o de obra-prima e outros exageros. Novamente com medo de serem acusados de “não terem entendido a proposta do diretor”, estão julgando a obra pela sua pretensão e não pelo resultado final.

“O Labirinto do Fauno” é um filme interessante. Porém, não resiste a uma análise mais profunda e nunca chega a cumprir suas promessas. Nem mesmo a conclusão trágica consegue ter a força poética pretendida. O que é uma pena, levando-se em conta as qualidades da produção.

Enfim, depois de mais essa escorregada, quem sabe um dia Guillermo del Toro percebe que enfiar um monte de cenas nojentas em seus filmes vai apenas alienar justamente aquele espectador para o qual ele parece querer tanto mostrar seu valor? A esperança é a última que morre...

Cotação: * * 1/2

Filmes: A FONTE DA VIDA

MASTURBAÇÃO MENTAL PORRETA

Diretor apaixonado pelo próprio umbigo tenta impressionar platéia com enigma indecifrável, cuja chave guardou só para ele e seus amigos mais chegados. Pseudo-intelectuais ficarão em êxtase.

- por André Lux

De tempos em tempos surge um filme sem pé nem cabeça feito por um sujeito pretensioso e auto-indulgente que deixa em êxtase os pseudo-intelectuais-metidos-a-besta de plantão. Como sabemos, existem pessoas que, ao não conseguir decifrar o significado de uma obra sem sentido que finge ser hiper-profunda, passam a endeusar seu realizador. David Lynch, por exemplo, adora enganar essa turma - tanto que chegaram a lhe dar prêmios por filmes ridículos como “Cidade dos Sonhos” (que não passava de um piloto rejeitado para série de TV no qual o diretor enfiou um monte de imagens delirantes que nada tinham a ver com a trama e um final enigmático para poder vender como longa-metragem).

O diretor Darren Aronofsky é outro desses charlatões. Mas, ao contrário de Lynch, Aronofsky se leva a sério e acha mesmo que tem algo seminal a dizer em cada filme que lança. Foi assim com o indecifrável “Pi” (sim, o título é aquele símbolo matemático, vejam só que chique!) e com o grotesco “Réquiem para Um Sonho” (que abordava de forma moralista o mundo das drogas e tinha como ponto alto uma dona de casa delirante sendo atacada por sua geladeira). Seu novo filme, “A Fonte da Vida” é mais um exemplo da obsessão do rapaz em impressionar seus admiradores os quais, novamente privados propositalmente de entender o significado de sua obra, vão achá-lo o máximo.

Se não acredita em mim, confira a trama do filme: alternando três realidades paralelas, “A Fonte da Vida” quer lançar luz sobre temas como “o sentido da vida”, “a força do amor” e a “imortalidade da alma”. Para isso, mistura imagens da inquisição espanhola, de uma busca pela cura do câncer e de um sujeito careca que viaja dentro de uma bolha de sabão intergaláctica à procura da vida eterna! Tudo isso embalado por cenografia e direção de fotografia soturnas, diálogos sussurrados pomposamente e uma trilha musical repetitiva e sufocante (mas gravada pelo conjunto Kronos Quartet, que luxo!).

Mas, pense de novo, pois nem tudo é o que parece. Aos poucos, somos ensinados que, na verdade, é a trama do presente que vale. Nela, vemos um casal formado por Hugh Jackman (o Wolverine de “X-Men”) e Rachel Weisz (de “A Múmia” e o “Jardineiro Fiel”.). Ela está morrendo de câncer e ele parece ser um cientista-cirurgião que procura desesperadamente a cura para a doença, na esperança de salvar a esposa. Entre as seções de quimioterapia e repentes de "iluminação espiritual", a moça escreve um romance passado na Espanha na época da Inquisição (detalhe: o livro é todo escrito à mão, com caneta tinteiro, letra perfeita e sem nenhum traço de Errorex!). A rainha Isabel (interpretada pela própria Weisz) passa uma missão ao seu mais fiel conquistador (o mesmo Jackman): achar a árvore da vida eterna (ou será a fonte da juventude?), localizada num templo Inca perdido na América central, pois só isso pode salvar seu reino da iminente invasão de um fanático religioso (sem dúvida um plano genial!).

Corte rápido para o mesmo Jackman, agora carequinha e de pijama, viajando pelo espaço sideral dentro de sua nave-bolha em busca de uma estrela moribunda, chamada pelos Incas de “Xibalba”, que em breve vai virar super-nova e, assim, devolverá a vida à sua ex-mulher. Enquanto não chega lá, ele flutua pelo ar, faz exercícios de tai-chi-chuan, come pedacinhos da árvore da vida (que está com ele na bolha) e tem alucinações com o passado. Ou será com o futuro? Vai ver tudo isso é só uma representação simbólica da jornada interior do personagem principal, que se recusa a aceitar a morte do ente amado. Pode ser também uma história-dentro-da-história que está sendo contada. Ou mesmo uma alucinação cognitiva do protagonista, que se proteja num futuro (ou passado?) longínquo para tolerar o presente. Como se vê, é masturbação mental das mais porretas!

Para muitos, toda essa baboseira pseudo-profunda sem sentido vai parecer algo magistral. Mas, para quem procura filmes realmente inteligentes (como “2001”, “Solaris” ou mesmo a trilogia “Matrix”), cujas alegorias enigmáticas se resolviam e se relacionavam intrinsecamente dentro do próprio roteiro, “A Fonte da Vida” é só mais uma obra aborrecida, pretensiosa e indecifrável - até porque o diretor guardou a chave do enigma que apresenta só para ele e, talvez, seus amigos mais íntimos. E, convenhamos, não é possível deixar de ridicularizar um filme que mostra personagens pronunciando, com total seriedade e afetação, a palavra “Xibalba” a cada 10 minutos de projeção!

Se você gosta de ser enganado por artistas apaixonados pelo próprio umbigo para se sentir inteligente, vá em frente. Esse filme é pra você. Caso contrário poupe seus preciosos neurônios para tentar decifrar obras ricas e que realmente têm algo a dizer sobre a condição humana.

Cotação: *

Filmes: "OS INFILTRADOS"

OS RATOS TAMBÉM AMAM

Diretor Martin Scorsese finalmente consegue agradar tanto aqueles que buscam um produto de maior refinamento artístico, quanto os que preferem apenas passar algumas horas se entretendo no cinema.

- por André Lux

Sei que o que vou declarar a seguir soará como uma heresia a muitos profissionais da opinião que costumam idolatrar certos artistas, mas “Os Infiltrados” é o primeiro filme do diretor Martin Scorsese que eu realmente gostei, sem restrições. Tudo bem, reconheço que o sujeito é um bom diretor (especialmente de atores), que sabe tudo de cinema e inventa planos seqüências espetaculares. Mas só isso não basta para fazer um filme funcionar. Muitos de seus projetos anteriores, como “Gangues de Nova York”, “O Aviador” e “Os Bons Companheiros”, padeciam de narrações truncadas e excesso de duração, enquanto outros eram simplesmente chatos (“Época de Inocência” vem à mente, um filme onde absolutamente nada de interessante ocorre durante as mais de três horas de projeção!).

Nada disso acontece em “Os Infiltrados”. O filme é longo, mas a gente nem percebe, tamanho o nível de tensão e suspense que o diretor imprime em cada fotograma. Ficamos literalmente na ponta da cadeira durante quase toda a projeção, na expectativa do que vai acontecer em seguida na história. E o roteiro, inspirado no filme chinês “Internal Affairs”, reserva algumas surpresas chocantes, especialmente na conclusão.

Leonardo Di Caprio, que finalmente começa a ficar com cara de homem, está excelente no papel do policial que finge ser criminoso para se infiltrar na máfia irlandesa comandada por um verdadeiro psicopata (interpretado com seriedade e força por Jack Nicholson, que dá um show à parte). O ex-galã de “Titanic” consegue nos fazer sentir sua condição limítrofe por meio de vários nuances de interpretação, provando definitivamente que é um ator de verdade. No outro lado da moeda temos Matt Damon, que também funciona bem como o arrogante e inescrupuloso pau mandado do crime organizado infiltrado na polícia.

Apesar da direção de fotografia ser do consagrado Michael Bauhaus, Scorsese optou dessa vez por uma decupagem seca, isenta de malabarismos estéticos e mais focada nos atores, fator que deixa o filme ainda mais angustiante e realista, especialmente nas cenas de violência. Soma-se a isso uma montagem vibrante e uma trilha sonora que contrapõe canções pop intensas à partitura intimista de Howard Shore (o mesmo da trilogia “O Senhor dos Anéis”) e o resultado é um ótimo filme, capaz de agradar tanto aqueles que buscam um produto de maior refinamento artístico, quanto os que preferem apenas passar algumas horas se entretendo no cinema.

Em comum com outros filmes do cineasta, “Os Infiltrados” aborda o caos e a degradação urbana pelo ponto de vista da criminalidade sem ter uma moral definida, o que é algo sempre louvável particularmente nesses tempos moralistas em que vivemos atualmente. No mundo de Scorsese, ninguém presta, todos são mentirosos, manipuladores e falíveis. Não é à toa, portanto, que a figura que permeia o filme todo é a de um rato - tanto na forma de expressão verbal (que serve para rotular os infiltrados), quanto literal (na cena que encerra a projeção). Mas, atenção, até os ratos amam e são amados. Assim também como na vida real. Veja e comprove.

Cotação: * * * * *

DVD: "ENRON – OS MAIS ESPERTOS DA SALA"

APAGÃO "MADE IN USA"

Filme denuncia a lógica capitalista que, cedo ou tarde, vai provocar danos irreversíveis ao planeta e colocar de joelhos a raça humana.

- por André Lux

Quando alguém vier pregar a você as maravilhas oriundas do enxugamento do Estado e das privatizações, pergunte se ele já assistiu ao excelente documentário “Enron – Os Mais Espertos da Sala”. Se a resposta for “não”, então nem perca seu tempo discutindo. Não vale a pena. 

Quem acredita nessa ladainha que demoniza a regulamentação e o controle do Estado e pinta as empresas privadas como a salvação da economia só pode ser ingênuo ou mal intencionado.

O mais emblemático (e estarrecedor) exemplo das conseqüências destruidoras dessa corrente de pensamento inaugurada pelo ex-presidente Ronald Reagan na década de 1980, chamada carinhosamente de “neoliberal”, está registrada neste filme assinado por Alex Gigbey. 

Exportada para o resto do mundo e implantada com maior voracidade nos países ditos de terceiro-mundo (Brasil, inclusive), essa ideologia que traveste o que existe de mais selvagem no capitalismo como sendo algo moderno, natural e irreversível, moldou e travou a mentalidade das pessoas na busca pelo consumismo sem limites (“consumo, logo existo”) e jogou a humanidade para a beira do abismo.

O caso da Enron ilustra de forma cabal o que acontece quando o cinismo, a arrogância, a ganância e a manipulação da informação se juntam sem qualquer limite e controle externo. 

Apostando no que existe de mais agressivo em termos de marketing e relações públicas, seus executivos conseguiram elevar os preços das ações da empresa a níveis estratosféricos, sem que houvesse lastro real na contabilidade. 

Isso se deu pela aplicação de uma técnica contábil absurda chamada de mark-to-market, por meio da qual projetavam lucros exorbitantes a partir do fechamento de transações que nem ainda haviam sido completadas, entre outras práticas simplesmente ilegais.

E, mesmo cientes da fragilidade e irracionalidade dos seus negócios, os manda-chuvas da Enron continuavam a propagar a solidez da empresa aos quatro ventos e estimulavam a compra das suas ações inclusive entre seus pobres funcionários que investiram nelas seus preciosos fundos de pensão. 

Um das coisas que mais chama a atenção nessa história absurda é a maneira como a mídia e os analistas financeiros aceitavam e festejavam o “sucesso” da empresa sem levantar uma questão sequer a respeito desse verdadeiro milagre econômico – nem o fato da Enron atuar em uma dos mercados mais complexos e arriscados do mundo, que é o da prospecção e consumo de energia elétrica e gás, levantou suspeitas entre os “formadores de opinião” estadunidenses! Como se vê, o pensamento único propagado como verdade absoluta e incontestável não é privilégio da imprensa corporativa brasileira...

Todavia, o fato mais chocante deu-se quando negociadores (traders) da Enron literalmente derrubaram as usinas de força da Califórnia para fazer subir o preço da energia elétrica e salvar as finanças da empresa, prejudicando a economia do Estado e arriscando a vida de milhares de pessoas. 

Essa operação está toda documentada e é apresentada didaticamente no filme, inclusive com gravações em áudio das conversar entre os negociadores, que não apenas falavam abertamente do golpe em andamento, como debochavam do povo que estava sofrendo as conseqüências. 

Está aí representado o ápice do que o pensamento neoliberal, que visa o lucro financeiro acima de tudo e de todos, significa. Uma das conseqüências mais nefastas desse “apagão” operado pela empresa foi a queda do então governador da Califórnia, que acabou sendo substituído via um recall eleitoral no meio do mandado pelo ator Arnold Schwarzenegger (não por acaso do mesmo partido dos Bush). Qualquer semelhança com o “apagão” ocorrido no (desculpem o trocadilho) apagar das luzes do governo Fernando Henrique Cardoso não pode, portanto, ser mera coincidência.

E todas essas barbaridades aconteceram graças às brechas encontradas nas novas leis anti-protecionistas e ao suporte do governo Bush, recém eleito na época, cuja família mantinha laços estreitos com o fundador da Enron, Ken Lay, que chegou a ser cogitado para assumir uma pasta no secretariado do governo federal antes de ser condenado em seis acusações de fraude corporativa e morrer de ataque cardíaco em 2006 enquanto esperava a sentença.

No final, as ilusões criadas pelo criativo CEO da Enron, Jeffrey Skilling (condenado em 19 acusações de fraude corporativa), acabou e a empresa faliu totalmente em questão de semanas, deixando na miséria todos seus funcionários, mas não seus altos executivos que antes da derrocada já haviam vendido todas suas ações obtendo lucros astronômicos.

Essa história sórdida sobre os bastidores do capitalismo selvagem teria ficado oculta não fosse o trabalho dos jornalistas Bethany McLean e Peter Elkind, que dedicaram anos na investigação do caso Enron até a publicação do livro que dá nome ao filme. 

Graças a isso, os principais ex-executivos da Enron foram presos e processados pela Justiça dos EUA. Prova de que o bom e velho jornalismo investigativo, praticamente extinto no Brasil, pode trazer contundentes resultados.

“Enron – Os Mais Espertos da Sala” é um filme obrigatório para qualquer pessoa interessada em conhecer os reais mecanismos que movimentam a lógica capitalista que, cedo ou tarde, vai provocar danos irreversíveis ao planeta e colocar de joelhos toda a raça humana - inclusive aqueles sujeitos que se julgam os mais espertos da sala.

Cotação: * * * * *

Tributo: Veja Basil Poledouris regendo temas de "Conan, o Bárbaro"

Abaixo, alguns links de videos no Youtube gravados durante concertos de "Conan, o Bárbaro" em Ubeda, na Espanha. Foi a última apresentação ao vivo do compositor Basil Poledouris, que morreu de câncer dia 08 de novembro.

1) Abertura do concerto e ANVIL OF CROM (Tema principal de "Conan, o Bárbaro).

2) Riddle of Steal (O Enigma do Aço).

3) Ovação e Bis de ANVIL OF CROM.

4) Um video-tributo ao compositor, apresentando antes do concerto em Úbeda.

5) Poledouris ensaiando a orquestra em Úbeda.

Tristeza: Morre o compositor Basil Poledouris

Morreu ontem, dia 08 de novembro, aos 61 anos depois de perder a luta contra o câncer o compositor de músicas para o cinema Basil Poledouris.

Em seu currículo, estão partituras memoráveis para filmes como "Conan, o Bábaro", "Adeus ao Rei", "Robocop", "Caçada ao Outubro Vermelho", "Wind - A Força dos Ventos", "Quigley - Contratado para Matar", "A Lagoa Azul", entre muitas outras.

Era um dos meus compositores favoritos, embora tenha feito poucos trabalhos ultimamente. Mas sua música vai ficar para sempre, ao lado das de outros que também já se foram (como Jerry Goldsmith, Henry Mancini, Elmer Bernstein, etc) . Hoje novamente derramei lágrimas para uma pessoa que nunca conheci pessoalmente, mas cuja música tocou fundo, me ajudou em momentos difíceis e trouxe alegria e emoção à minha vida...

Reproduzo abaixo a despedida final escrita por Douglas Fake, da Intrada Records, selo especializado em trihas de cinema:

"Intrada shares with you in mourning the passing of one of the greats of movie music: Basil Poledouris. His gifts touched just about every producer, film maker, musician, soundtrack company, aficionado, and casual fan in the film industry.

His music inspired us to start our label. His customary generosity made that first album happen. What musical treasures he left for us all to enjoy!

Basil loved the outdoors, the water, the rush of salty air as he went boating. My last contact with him was over those very waters he so treasured.

I'll not see, nor feel, nor hear the likes of him again.

Ever."